какой день считается днем рождения русской оперы

Увсех вас есть день рождения. Азнаете ли вы, что день рождения есть и у русской оперы? Это 27 ноября 1836 г. Вэтот день в Петербурге впервые прозвучала первая

Главная > Документ

И все-таки Глинка настоял на своём: упросил отца отпустить его в Италию учиться музыке. Много пришлось ему потрудиться, чтобы овладеть композиторским мастерством. И вот восторженный приём его первой оперы, стал наградой за этот труд.

Окрыленный успехом Глинка принимается за сочинение второй оперы – «Руслан и Людмила». Давайте вспомним, кто написал эту поэму-сказку? Ну, конечно, А. С. Пушкин. И сюжет этот Глинка выбрал не случайно. Он был близко знаком с поэтом, очень любил его стихи и мечтал работать над оперой в содружестве с Пушкиным. Но, к сожалению, этого не случилось. Великий русский поэт был убит на дуэли. Совместное творчество двух гениев не осуществилось. И все же Глинка не оставил свой замысел. Опера «Руслан и Людмила» была поставлена в оперном театре ровно через 6 лет после премьеры «Ивана Сусанина».

О чем же эта сказка? Во время свадебного пира исчезает Людмила – невеста славного витязя Руслана. На поиски её отправляются три князя: Руслан, Фарлаф и Ратмир. Много опасностей подстерегает витязей в пути. Нужно быть храбрым и отважным, чтобы преодолеть их. Только Руслану удалось отыскать свою невесту в волшебных садах злого карлика Черномора и спасти её.

Герои оперы – это целая портретная галерея людей разных: добрых и злых, храбрых и трусливых, коварных и сердечных. И для каждого персонажа Глинка сумел написать удивительно красочную музыку. Для юной красавицы Людмилы он нашел нежные, грациозные, а порой чуть лукавые краски. Руслан – могучий богатырь и верный любящий друг. Поэтому его музыкальная характеристика сочетает героические, мужественные интонации и мягкие, задушевные. Самый смешной персонаж оперы – Фарлаф. Сначала он тоже готов помчаться за похищенной княгиней. Но очень скоро трудности и опасности пугают его. И вот он уже готов вернуться домой. Но неожиданно появляется злая колдунья Наина и обещает помочь Фарлафу. И вмиг его трусливые, испуганные интонации сменяются бурным, хвастливым ликованием.

представляешь себе существо коварное, злое, упрямое. Вся волшебная сила Черномора заключалась в его длинной бороде. С ней он непобедим. Карлик очень боится потерять её. Ведь на самом деле он робок и труслив. Вот почему резкие, властные, угрожающие фразы в начале марша вдруг неожиданно сменяются тихими, робкими, неуклюжими. А потом вдруг тихо и таинственно зазвенели колокольчики. Все как будто застыло и замерло, покорившись власти колдуна. Только причудливые волшебные цветы покачивают своими головками. Так композитор нарисовал волшебный сад Черномора, где томится юная княжна.

Как и во всех сказках, добрые и отважные герои побеждают силы коварства и зла. Поэтому завершает оперу ликующая праздничная музыка. Она славит Отчизну, стойких и отважных людей, их любовь и преданность.

Прошло много лет с тех пор, как впервые в России прозвучали замечательные оперы М. И. Глинки. Они открыли первую страницу истории русской оперы. Очень скоро появилось много замечательных русских композиторов – последователей и учеников Глинки: Бородин, Мусоргский, Даргомыжский, Чайковский, Прокофьев. Ими было написано немало прекрасных опер. Но память о первых русских операх, уважение и благодарность их автору – композитору М. И. Глинке, русские люди будут хранить всю жизнь.

Автор: Педагог теоретических дисциплин ДХС «ПИОНЕРИЯ»

Источник

«Сила любви и ненависти». Первой опере в России 275 лет

О пера – уникальное явление, одно из самых прекрасных музыкальных творений. 29 февраля 2021 года отмечается 275-летие со дня первой постановки в России. «Вечёрка» расскажет, как опера появилась в нашей стране, и почему ее развитие имело столько серьезное значение для русской культуры.

…Пышные наряды, невероятные сюжеты, красочные декорации, белые манжеты дирижера, симфонический оркестр и, конечно, прекрасные голоса оперных певцов. Зародилась опера еще в XVI веке, в солнечной Флоренции. Но истоки этого вида музыкального искусства берут начало еще со времен античного театра.

В Древней Греции были очень популярны чередования диалогов Софокла, Еврипида и других древнегреческих поэтов с музыкальными номерами. Хор или исполнение сольных музыкальных номеров уже тогда отдаленно напоминали оперу.

Именно Италии благодарен весь оперный мир за то, что там благодаря Флорентийской камерате произошло возрождение древнегреческих традиций, поиск новых форм и возможностей воплощения итальянской музыки.

Флорентийская камерата возникла в 1573 году, объединив поэтов, музыкантов, философов общей идей – созданием первой оперы в истории музыкального мира. Так уже в 1598 году появилась первая опера Якопо Пери на текст Ренуччини, которая называлась «Дафна».

А вот в России опера появилась исключительно благодаря Императрице Анне Иоанновне, которая продолжая традиции Петра I, привозила из Европы все новое, лучшее, изысканное. Императрица любила театр, выступления, шутовские представления, незатейливый юмор.

При дворе даже существовало шесть официальных шутов, которые обязаны были выполнять все прихоти Императрицы, порой весьма унизительные. Роли для них Анна Иоанновна выбирала сама.

Начались выступления итальянского театра в России с момента коронации Анны Иоанновны, когда в качестве подарка будущей Императрице от польского Императора Августа II, были присланы несколько итальянских актеров. Выступления певцов, музыкантов так впечатлило Анну Иоанновну, что она решила создать при дворе итальянскую труппу.

В 1735 году итальянская труппа отправляется во служение русской Императрице. Балетные представления чередуются с драматическими спектаклями, доставляя Анне Иоанновне небывалое наслаждение. При дворе часто звучит итальянская опера, проходят выступления балетных трупп.

Для того чтобы сюжеты европейских авторов были понятны Императрице, переводы с итальянского языка пишет поэт Тредиаковский, который и перевел либретто для первой постановки в России.

Первой оперой, исполненной на сцене Императорского придворного театра, стала опера «Сила любви и ненависти» на музыку Франческо Арайя, который также служил при дворе капельмейстером. Представление прошло 29 января 1736 года и имело большой успех.

Надо отметить что, несмотря на то, что Императрица любила развлечения, забавы и юмор, Дебютная опера «Сила любви и ненависти» имела все же достаточно серьезный любовный сюжет и по жанру относилась к opera-seria, и исполнялась ранее на родине, в Италии. Уже тогда зрителю было представлен сюжет, имеющий драматическое развитие, раскрытие эмоционального состояния действующих лиц. Финальные номера исполнялись ансамблями музыкантов и певцов.

Оркестр представлял собой группу струнных инструментов, также в состав входили: валторны, трубы, литавры, флейты и гобой. Обязательно сопровождал действие клавесин.

Надо отметить, что в России уже к 1730 году при дворе имелся собственный оркестр, состоящий из 25 лучших музыкантов Европы.

Бесспорно, годы правления Анны Иоанновны стали периодом масштабного развития оперного искусства, театра, хотя и существовал он исключительно, как развлечение Императрицы, и только для придворной публики.

Выступали в придворном театре иностранные труппы, репертуар определялся западной культурой. Став неотъемлемой частью дворцового церемониала, придворный театр оказал серьезнейшее влияние на развитие русской театральной культуры в дальнейшем.

Источник

Рождение русской оперы

Если постараться, зачатки русской оперы можно отыскать в глубокой древности, так как музыкально-драматический элемент присущ народным русским обрядам, таким как свадебные обряды, хороводы, а также церковным действам средневековой Руси, которые можно считать предпосылками для появления русской оперы. С ещё большим основанием можно видеть зарождение русской оперы в народно-духовных действах 16-17 веков, в школьных драмах Киевской и Московской академий на библейские сюжеты. Все эти музыкально-исторические элементы найдут своё отражение в работах будущих русских оперных композиторов.

17 октября 1672 состоялось первое представление «Эсфири» («Артаксерксово действо») Иоганна Готфрида Грегори, длившееся десять часов, до самого утра. К участию в действии была привлечена музыка — оркестр из немцев и дворовых людей, игравших «на органах, виолах и других инструментах», возможно, в пьесе участвовали и хоры из «государевых певчих дьяков». Царь был очарован, все участники спектакля были обласканы, щедро вознаграждены и даже допущены к целованию царской руки — «были у великого государя у руки», некоторые получили чины и жалования, сам Грегори получил сорок соболей на сто рублей (мера меховой казны).

Следующие пьесы Грегори разыгрывались уже в Москве в кремлёвских палатах, зрителями были приближённые царя: бояре, окольничие, дворяне, дьяки; для царицы и царевен были специальные места, огороженные частой решёткой, чтобы они не были видны публике. Спектакли начинались в 10 часов вечера и длились до утра. Если в «Артаксерксовом действе» участие музыки носило, скорее, случайный характер, то в 1673 на сцене появилась пьеса вполне аналогичная опере. Вероятнее всего, это была переделка либретто оперы Ринуччини «Эвридика», которая была одной из самых первых опер и широко разошлась по Европе в многочисленных обработках.

Иоганн Грегори в 1673 году даже основал театральную школу, в которой 26 мещанских детей учились «комедийному делу». Однако в 1675 году Грегори заболел и поехал в немецкие земли на лечение, но вскоре умер в городе Мерзербурге, где и был похоронен, а театральная школа закрылась. После смерти царя Алексея Михайловича в 1676 году новый царь Фёдор Алексеевич не проявил заинтересованности в театре, главный покровитель Артамон Матвеев был отправлен в ссылку в Пустозёрск, театры разукомплектовали. Зрелища прекратились, но осталась мысль, что это позволительно, раз сам государь потешался этим.

Прожив большую часть жизни в России, Грегори отстал от современных театральных тенденций и поставленные им комедии были устаревшими, тем не менее, начало драматическому и оперному искусству в России было положено. Следующее обращение к театру и его возрождение произошли спустя двадцать пять лет, во времена Петра I.

С тех пор миновало четыре столетия, но опера до сих считается одним из самых популярных музыкальных жанров. Понимание оперной музыки доступно каждому, этому помогают слова и сценические действия, а музыка усиливает впечатления от драмы, выражая с присущей ей лаконичностью то, что иногда трудно передать словами.

В настоящее время интерес у российской публики вызывают оперы С. М. Слонимского, Р. К. Щедрина, Л. А. Десятникова, В. А. Кобекина, А. В. Чайковского — их, хотя и сложно, но можно посмотреть, приобретя билеты в Большой театр. Самым известным и популярным театром нашей страны, конечно же, является Большой театр — один из основных символов нашего государства и его культуры. Раз побывав в Большом, вы сможете в полном мере ощутить союз музыки и драмы.

Спасибо за использование нашего раздела комментариев.

Просим вас оставлять стимулирующие и соответствующие теме комментарии. Пожалуйста, воздерживайтесь от инсинуаций, нецензурных слов, агрессивных формулировок и рекламных ссылок, мы не будем их публиковать.

Поскольку мы несём юридическую ответственность за все опубликованные комментарии, то проверяем их перед публикацией. Из-за этого могут возникнуть небольшие задержки.

Функция комментариев продолжает развиваться. Мы ценим ваши конструктивные отзывы, и если вам нужны дополнительные функции, напишите нам на [email protected]

С наилучшими пожеланиями, редакция Epoch Times

Источник

Отзывчивости нашей торжество

К 210-летию со дня рождения Михаила Глинки

Это поэт Николай Рыленков, земляк композито­ра, назвал Михаила Глинку торжеством русской отзывчивости. В творчестве которого есть и про­стой напев русской деревенской песни, и «ма­зурки гром», и «радостные всплески» испанской пляски. По его убеждению Глинка творил, «при­слушиваясь к музыке вселен­ной».

В лице Михаила Глинки русская музыкальная культура впервые вы­двинула композито­ра мирового значе­ния. Глинка завер­шил процесс фор­мирования наци­ональной компо­зиторской шко­лы, завоевавшей в XIX веке одно из ведущих мест в европейской культуре, стал первым русским композитором- классиком. Его на­следниками являют­ся все крупные ком­позиторы xIxвека. «Глинка. в такой сте­пени соответствовал по­требностям времени и ко­ренной сущности своего на­рода, что начатое им дело процвело и выросло в самое короткое время и дало такие плоды, каких неизвестно было в нашем отечестве в продол­жение всех столетий его исторической жизни», – сказал о нем известный русский критик Стасов. Творчество Глинки и по сегодняшний день воз­действует не только на отечественную музыкаль­ную культуру, оно не перестает быть притяжени­ем для музыкантов всего мира.

Между Бородино и Сенатской площадью

Михаил Иванович родился 20 мая (1 июня) 1804 года в селе Но­воспасском Смоленской губер­нии, в имении своего отца, от­ставного капитана Ивана Нико­лаевича Глинки. Прадед компо­зитора был шляхтичем. После потери Польшей Смоленска в 1654 году он принял российское подданство и перешел в право­славие.

Главные впечатления детства, проведенного в смоленской де­ревне, в обстановке помещи­чьего усадебного быта, – рус­ские песни. А также крепостной оркестр дяди, жившего в родо­вом имении Шмаково. Малень­кий Миша играл в нем на флейте и скрипке, став старше, дирижи­ровал. «Живейшим поэтическим восторгом» наполняли его душу колокольные звоны и церковное пение. Михаил неплохо рисовал, страстно мечтал о путешествиях. Два великих исторических собы­тия явились для будущего компо­зитора важнейшими фактами его биографии: Отечественная вой­на 1812 года и восстание дека­бристов 1825 года.

Годы учения Михаила Ивано­вича в Петербурге (1818-1822 гг.) прошли в Благородном пансио­не, одном из лучших учебных за­ведений России, где преподава­ли блестящие умы того времени А. Куницын, К. Арсеньев, А. Галич. А воспитателем был будущий де­кабрист и друг А. Пушкина В. Кю­хельбекер. Учеба протекала в ат­мосфере пылких политических и литературных споров. Позднее, после восстания декабристов, Глинка был подвержен допросу относительно связей с «бунтов­щиками».

В годы учения Михаил часто посещал театр, знакомился с операми В. Моцарта, Л. Керуби­ни, Дж. Россини, брал уроки игры на скрипке, фортепиано. Посе­щал музыкальные вечера, музи­цировал в четыре руки с братья­ми Виельгорскими, начал сочи­нять романсы, инструменталь­ные пьесы. В 1825 году появил­ся один из шедевров русской вокальной лирики – романс «Не иску­шай» на стихи Е. Ба­ратынского.

Молодой компо­зитор изучал опер­ную и симфониче­скую музыкальную литературу, работал с домашним оркестром семьи в качестве ди­рижера (в Новоспасском). Боль­шое влияние на Глинку оказала русская литература и непосред­ственное общение с А. Пушки­ным, В. Жуковским, А. Дельви­гом, А. Грибоедовым, В. Одоев­ским, А. Мицкевичем.

В 1830-34 гг. Глинка позна­комился с музыкальной жиз­нью крупнейших центров Евро­пы. В Италии Глинка сблизился с В. Беллини, Г. Доницетти, встре­чался с Ф. Мендельсоном, поз­же среди его друзей появятся Г. Берлиоз, С. Монюшко. Глинка серьезно учился, завершив му­зыкальное образование в Бер­лине у известного теоретика З. Дена.

Рождение русской оперы

Весной 1834 года Глинка вернулся на ро­дину и приступил к со­чинению задуманной оперы. Вдали от ро­дины он в полной ме­ре осознал свое ис­тинное предназначе­ние. «Мысль о нацио­нальной музыке. более и более прояснялась, воз­никло намерение создать русскую оперу».

Сюжет оперы был предложен В. Жуковским – подвиг русско­го крестьянина, пожертвовавше­го жизнью ради Родины. За осно­ву была взята поэма «Иван Суса­нин» из сборника «Думы» поэта- декабриста К. Рылеева. Автор либретто, придворный поэт Г. Ро­зен, придал тексту монархиче­скую окраску. К новой опере про­явил внимание сам Николай I. Так появилось новое название опе­ры – «Жизнь за царя». В некото­рых эпизодах Глинке удалось из­менить текст Розена, приблизить его к авторской концепции.

Премьера оперы была воспри­нята деятелями русской культу­ры как большое событие. Высо­ко оценили оперу русские, а поз­же и зарубежные критики. Пуш­кин, присутствовавший на пре­мьере, написал:

Пой в восторге, русский хор!

Вышла новая новинка.

Веселися Русь! Наш Глинка –

Уж не Глинка, уж не Глинка,

Дата премьеры – 27 ноября 1836 года – стала днем рожде­ния национальной классической оперы. Одоевский писал: «С опе­рой Глинки является то, чего дав­но ищут и не находят в Европе – новая стихия в искусстве, и начи­нается в его истории новый пери­од: период русской музыки». «Это более, чем опера, это националь­ная эпопея», – писал в 1840 году французский критик А. Мериме.

Успех окрылил композитора. Сразу же после премьеры «Суса­нина» началась работа над опе­рой «Руслан и Людмила». Мешали этой работе неудачная женитьба, завершившаяся разводом, от­нимавшая много сил служба в Придворной певческой капелле. Сильным ударом стала трагиче­ская гибель Пушкина на дуэли, разрушившая планы совместной работы над произведением. Ме­шала бытовая неустроенность. Но работа продвигалась, а парал­лельно появлялись и другие про­изведения – романсы на стихи Пушкина, вокальный цикл «Про­щание с Петербургом».

Около шести лет работал Глин­ка над второй оперой – «Руслан и Людмила». Но ее премьера 27 ноября 1842 года принесла ему немало огорчений. Враждебно встретила оперу аристократиче­ская публика во главе с импера­торской фамилией. Среди сто­ронников Глинки мнения резко разделились. Высокую оценку она получила в статьях В. Одоев­ского, О. Сенковского, Ф. Кони. Музыкой ее восхищались Ф. Лист и Г. Берлиоз. Причины сложного отношения к опере заключают­ся в новаторской сущности про­изведения, с которого начал­ся неведомый ранее сказочно- эпический оперный театр. Глин­ка «на былинный лад распел пуш­кинскую поэму». Солнечная музы­ка перекликается со знаменитым «Да здравствует солнце, да скро­ется тьма!», а яркий националь­ный стиль оперы как бы выраста­ет из строк; «Там русский дух, там Русью пахнет». С 1846 года опе­ра сошла с петербургской сцены и после нескольких представле­ний в Москве надолго прекратила свою сценическую жизнь.

В России и для России

Несколько последующих лет Глинка провел за границей в Па­риже (1844-45) и в Испании (1845- 47), специально изучив перед по­ездкой испанский язык. В Пари­же с большим успехом прошел концерт из произведений Глин­ки, по поводу которого он писал: «. Я первый русский композитор, который познакомил парижскую публику со своим именем и сво­ими произведени­ями, написанными в России и для Рос­сии». А в Испании Глинка создал две с и м ф о н и ч е с к и е пьесы: «Арагонская хота» и «Воспоми­нание о летней ночи в Мадриде». Одновременно с ними появилась знаменитая «Камаринская», гени­альное «русское скерцо» – фанта­зия на темы двух русских песен. С этих произведений ведет свое на­чало русская симфоническая му­зыка. Позднее Чайковский отме­чал, что «настоящая русская сим­фоническая школа» вся в «Кама­ринской» подобно тому, как весь дуб в желуде».

Расцвет реалистических прин­ципов «натуральной школы» по­влиял на замыслы композитора. В начале 50-х годов он задумыва­ет программную симфонию «Та­рас Бульба» (на сюжет повести Го­голя) и оперу-драму из народно­го быта «Двумужница» (по однои­менной драме А. Шаховского).

Весной 1856 года Глинка уе­хал в Берлин. Он был увлечен созданием оригинальной систе­мы русского контрапункта. Но 3 (15) февраля 1857 года Михаил Глинка скончался в Берлине, а в мае того же года его прах был перезахоронен в Петербурге в Александро-Невской лавре. Его музыкальные замыслы впослед­ствии получили развитие в твор­честве С. Танеева, С. Рахмани­нова и других известных русских композиторов.

Первый памятник композито­ру в России открылся в Смолен­ске 20 мая (1 июня) 1885 года. На высоком пьедестале с корот­кой надписью «Глинке – Россия. 1885 год» возвышается бронзо­вая фигура композитора с дири­жерской палочкой в руке. 27 мая 1982 года был торжественно от­крыт Дом-музей М.И. Глинки в Но­воспасском.

Любопытно, что бюст Михаи­лу Глинке в 1910 году был уста­новлен и освящен в Киеве, пе­ред зданием музыкальной шко­лы Русского музыкального обще­ства в начале улицы Прорезной. В 1955 году памятник был пере­несен в парк Мариинского двор­ца, ныне резиденция украинских президентов. Дело в том, что Ми­хаил Иванович имеет прямое от­ношение и к первой украинской опере. В свое время в качестве капельмейстера императорской капеллы, будучи в столице Мало­россии, Глинка не мог не заме­тить талантливого молодого свя­щенника из черкасского села Го­родище, который пел в митропо­личьем (самом престижном) хоре Киева первой половины XIX века. Грядущую звезду оперной сцены звали Семен Гулак-Артемовский. Так началась удивительная исто­рия восхождения к славе лучше­го баритона тех лет.

Благодаря поддержке Глинки, Гулак-Артемовский завершил му­зыкальное образование в Евро­пе, а затем поступил в оперную труппу императорских театров и свыше двух десятилетий зани­мал положение одного из веду­щих певцов русского музыкаль­ного театра. В 1852 году в свой бенефис Артемовский поставил собственный водевиль «Ночь на­кануне Иванова дня». А потом он написал первую украинскую опе­ру «Запорожец за Дунаем», доны­не популярную в народе. Сюжет «Запорожца за Дунаем» подска­зал историк Н. Костомаров. Ли­бретто, тексты вокальных и раз­говорных номеров, оркестровая партитура и клавир – все это на­писал сам Артемовский. Умер Семен Степанович в 60 лет и по­хоронен на Ваганьковском клад­бище в Москве. Его судьба – не только успешный менеджерский проект Михаила Глинки, но и еще одно доказательство русской от­зывчивости.

Источник

История театра «Русский оперный тетр»

Тема: «Русский оперный театр»

Что такое опера и её появление в России……….……….…………………. …4

М.И. Глинка и А.С. Даргомыжский –

основоположники русской оперы……………….………..……………………. 7

Опера, тесный союз двух искусств — музыки и театра, взаимно друг друга обогащающих, является одним из самых популярных жанров. Воздействие драматического произведения и игры актеров в опере бесконечно возрастает благодаря выразительной силе му­зыки. И наоборот: музыка приобретает в опере необычайную кон­кретность, образность.

Опера быстро завоевала популярность и распространилась по всем странам. В каждой стране она приобрела особый национальный характер — это сказалось и в выборе сюжетов (часто из истории той или иной страны, из ее сказаний и легенд), и в характере музыки.

Как широк круг выразительных средств, кото­рыми располагает композитор в опере. И недаром опера — союз му­зыки и драмы — это один из самых популярных музыкальных жан­ров. Понимание оперной музыки доступно каждому, этому помога­ют слова и сценическое действие, а музыка усиливает впечатление от драмы, выражая с присущей ей лаконичностью то, что иногда трудно передать словами. Поэтому так часто обращались к опере компози­торы, стремившиеся к общению с народом, к труду для народа.

Только XIX веке зрелости и самостоятельности достигла русская оперная школа. Для ее расцвета в это время была подготовлена замечательная почва. Первые русские оперы, появившиеся в конце XVIII в., были по преимуществу драматическими пьесами с музыкальными эпизодами по ходу действия. Многое было заимствовано русскими композиторами того времени у итальянцев и французов. Но и те, в свою очередь, побывав в России, многое из русского музыкального быта воспринимали и ассимилировали в своем творчестве.

ЧТО ТАКОЕ ОПЕРА И ЕЁ ПОЯВЛЕНИЕ В РОССИИ

«Есть нечто неудержимое, влекущее всех композиторов к опере: это то, что только она одна дает вам средство сообщаться с массами публики. Мой «Манфред» будет сыгран раз-другой и надолго скроется, и никто, кроме горсти знатоков, посещающих симфонические концерты, не и узнает его. Тогда как опера, и именно только опера, сближает вас с людьми, роднит вашу музыку с настоящей публикой, делает вас достоянием не только отдельных маленьких кружков, но при благоприятных условиях — всего народа». Так писал П. И. Чайковский в 1885 году. С тех пор музыкальная жизнь в нашей стране преобразилась.

Опера – это прежде всего один из видов театрального искусства. Поэтому вполне естественно, что между оперой и пьесой, предназначенной для драматического театра, между оперным спектаклем и спектаклем в драматическом театре много общего.

ГЛИНКА И ДАРГОМЫЖСКИЙ – ОСНОВОПОЛОЖНИКИ

Как Пушкин стал основоположником русского литературного языка, так великий русский композитор Михаил Иванович Глинка вошёл в историю России как первый классик в русской музыке. Продолжателем идей Глинки стал Александр Сергеевич Даргомыжский. Вот почему вместе с М.И. Глинкой Даргомыжский по праву считается основоположником русской классической музыки. Благодаря творчеству Глинки и Даргомыжского появились первые русские оперы, симфонии, романсы, а также сообщества композиторов и учебные заведения, где стали воспитывать профессиональных музыкантов.

С 30-х гг. XIX в. русская опера вступает в свой классический период. Основоположник русской оперной классики М. И. Глинка (1804—1857) создал историко-трагедийную оперу « Иван Сусанин » (1830) и сказочно-эпическую — «Руслан и Людмила» (1842). Эти оперы положили начало двум важнейшим направлениям русского музыкального театра: исторической опере и волшебно-эпической. Творческие принципы Глинки были претворены и развиты последующим поколением русских композиторов. Глинка сложился как художник в эпоху, осененную идеями декабризма, что позволило ему поднять идейно-художественное содержание своих опер на новую, значительную высоту. Он был первым русским композитором, в творчестве которого образ народа, обобщенный и глубокий, стал в центре всего произведения. Тема патриотизма в его творчестве неразрывно связана с темой борьбы народа за независимость.

Предшествующий период русской оперы подготовил появление опер Глинки, но качественное их отличие от более ранних русских опер очень значительно. В операх Глинки реализм художественной мысли проявляется не частными своими сторонами, но выступает как целостный творческий метод, позволяющий дать музыкально-драматическое обобщение идеи, темы и сюжета оперы. По-новому понимал Глинка проблему народности: для него она обозначала не только музыкальную разработку народных песен, но и глубокое, многостороннее отражение в музыке жизни, чувств и мыслей народа, раскрытие характерных черт его духовного облика. Композитор не ограничивался отражением народного быта, но воплотил в музыке типичные черты народного мировоззрения. Оперы Глинки представляют собой целостные музыкально-драматические произведения; в них нет разговорных диалогов, содержание выражено средствами музыки. Вместо отдельных, неразвитых сольных и хоровых номеров комической оперы Глинка создает крупные, развернутые оперные формы, с подлинно симфоническим мастерством развивая их.

В « Иване Сусанине » Глинка воспел героическое прошлое России. С большой художественной правдой воплощены в опере типические образы русского народа. В основу развития музыкальной драматургии положено противопоставление различных национальных музыкальных сфер.

«Руслан и Людмила» — опера, положившая начало народно-эпическим русским операм. Значение «Руслана» для русской музыки очень велико. Опера оказала воздействие не только на театральные жанры, но и на симфонические. Величавые богатырские и таинственно-волшебные, а также красочно-восточные образы «Руслана» питали долгое время русскую музыку.

После Глинки выступил А. С. Даргомыжский (1813—1869), типичный художник эпохи 40—50-х гг. XIX в.

Глинка оказал большое влияние на Даргомыжского, но в то же время в творчестве последнего проявилось новые качества, рожденные новыми общественными условиями, новыми темами, пришедшими в русское искусство. Горячее сочувствие к униженному человеку, сознание пагубности социального неравенства, критическое отношение к общественному устройству нашли отражение в творчестве Даргомыжского, связанном с идеями критического реализма в литературе.

Путь Даргомыжского как оперного композитора начался с создания оперы «Эсмеральда», по В. Гюго (пост. в 1847 г.), а центральным оперным произведением композитора нужно считать « Русалку » (по драме А. С. Пушкина), поставленную в 1856 г. В этой опере полностью раскрылось дарование Даргомыжского и определилось направление его творчества. Драма социального неравенства любящих друг друга дочери мельника Наташи и Князя привлекла композитора актуальностью темы. Даргомыжский усилил драматическую сторону сюжета за счет умаления фантастического элемента. «Русалка» — первая русская бытовая лирико-психологическая опера. Музыка ее глубоко народна; на песенной основа композитор создал живые образы героев, развил декламационный стиль в партиях главных действующих лиц, развил ансамблевые сцены, значительно драматизировав их.

Последняя опера Даргомыжского, « Каменный гость », по Пушкину (пост. в 1872 г., после смерти композитора), принадлежит уже другому периоду развития русской оперы. Даргомыжский поставил в ней задачу создания реалистического музыкального языка, отражающего речевые интонации. Композитор отказался здесь от традиционных оперных форм — арии, ансамбля, хора; вокальные партии оперы превалируют над оркестровой партией, «Каменный гость» положил начало одному из направлений последующего периода русской оперы, так называемой камерной речитативной оперы, представленной в дальнейшем « Моцартом и Сальери » Римского-Корсакова, « Скупым рыцарем » Рахманинова и другими. Особенностью этих опер является то, что они все паписаны на неизмененный полный текст «маленьких трагедий» Пушкина.

В 60-е гг. русская опера вступила в новый этап своего развития. На русской сцене появляются произведения композиторов балакиревского кружка («Могучей кучки») и Чайковского. В эти же годы развертывается творчество А. Н. Серова и А. Г. Рубинштейна.

«Могучая кучка» — одно из вольных содружеств, которые возникали в пору демократического подъёма 60-х гг. 19 в. в различных областях русской художественной культуры с целью взаимной поддержки и борьбы за прогрессивные общественные и эстетические идеалы (литературный кружок журнала «Современник», «Артель художников», «Товарищество передвижных художественных выставок»). Подобно «Артели художников» в изобразительном искусстве, противопоставившей себя официальному курсу Академии художеств, «Могучая кучка» решительно выступала против косной академической рутины, отрыва от жизни и пренебрежения современным требованиями, возглавив передовое национальное направление в русской музыке. «Могучая кучка» объединила наиболее талантливых композиторов молодого поколения, выдвинувшихся в конце 50 — начале 60-х гг., за исключением П. И. Чайковского, который не входил ни в какие группы. Руководящее положение в «Могучей кучке» принадлежало Балакиреву (отсюда — Балакиревский кружок). Тесно связан с ней был Стасов, сыгравший важную роль в выработке общих идейно-эстетических позиций «Могучей кучки», в формировании и пропаганде творчества отдельных её членов.

С 1864 систематически выступал в печати Кюи, музыкально-критическая деятельность которого во многом отражала взгляды и тенденции, присущие всей «Могучей кучке». Её позиции находят отражение и в печатных выступлениях Бородина, Римского-Корсакова. Центром музыкально-просветительской деятельности «Могучей кучки» явилась бесплатная музыкальная школа (создана в 1862 по инициативе Балакирева и Г. Я. Ломакина), в концертах которой исполнялись произведения членов «Могучей кучки» и близких ей по направлению русских и зарубежных композиторов.

Основополагающими принципами для композиторов-«кучкистов» были народность и национальность. Тематика их творчества связана преимущественно с образами народной жизни, исторического прошлого России, народного эпоса и сказки, древними языческими верованиями и обрядами. Мусоргский, наиболее радикальный из членов «Могучей кучки» по своим художественным убеждениям, с огромной силой воплотил в музыке образы народа, многие его произведения отличаются открыто выраженной социально-критической направленностью. Народно-освободительные идеи 60-х гг. получили отражение в творчестве и др. композиторов этой группы (увертюра «1000 лет» Балакирева, написанная под впечатлением статьи А. И. Герцена «Исполин просыпается»; «Песня тёмного леса» Бородина; сцена веча в опере «Псковитянка» Римского-Корсакова). Вместе с тем у них проявлялась тенденция к известной романтизации национального прошлого. В древних, исконных началах народной жизни и мировоззрения они стремились найти опору для утверждения позитивного нравственного и эстетического идеала.

Одним из важнейших источников творчества служила для композиторов «Могучей кучки» народная песня. Их внимание привлекала главным образом старинная традиционная крестьянская песня, в которой они усматривали выражение коренных основ национального музыкального мышления. Характерные для «кучкистов» принципы обработки народных песенных мелодий нашли отражение в сборнике Балакирева «40 русских народных песен» (составлен Балакиревым на основе собственных записей, сделанных во время поездки по Волге с поэтом Н. В. Щербиной в 1860). Много внимания уделял собиранию и обработке народных песен Римский-Корсаков. Народная песня получила разнообразное преломление в оперном и симфоническом творчестве композиторов «Могучей кучки». Они проявляли также интерес к фольклору других народов, особенно восточных. Вслед за Глинкой «кучкисты» широко разрабатывали в своих произведениях интонации и ритмы народов Востока и тем самым способствовали возникновению у этих народов собственных национальных композиторских школ.

В поисках правдивой интонационной выразительности «кучкисты» опирались на достижения Даргомыжского в области реалистической вокальной декламации. Особенно высоко оценивалась ими опера «Каменный гость», в которой наиболее полно и последовательно осуществлено стремление композитора к воплощению слова в музыке («Хочу, чтобы звук прямо выражал слово»). Они считали это произведение, наряду с операми Глинки, основой русской оперной классики.

Творческая деятельность «Могучей кучки» — важнейший исторический этап в развитии русской музыки. Опираясь на традиции Глинки и Даргомыжского, композиторы-«кучкисты» обогатили её новыми завоеваниями, особенно в оперном, симфоническом и камерном вокальном жанрах. Такие произведения, как «Борис Годунов» и «Хованщина» Мусоргского, «Князь Игорь» Бородина, «Снегурочка» и «Садко» Римского-Корсакова, принадлежат к вершинам русской оперной классики.

Общие их черты — национальная характерность, реалистичность образов, широкий размах и важное драматургическое значение народно-массовых сцен. Стремление к живописной яркости, конкретности образов присуще и симфоническому творчеству композиторов «Могучей кучки», отсюда большая роль в нём программно-изобразительных и жанровых элементов. Бородин и Балакирев явились создателями руссокого национально-эпического симфонизма. Римский-Корсаков был непревзойдённым мастером оркестрового колорита, в его симфонических произведениях преобладает картинно-живописное начало. В камерном вокальном творчестве «кучкистов» тонкий психологизм и поэтическая одухотворённость сочетаются с острой жанровой характерностью, драматизмом и эпической широтой. Менее значительное место в их творчестве занимают камерные инструментальные жанры. В этой области произведения выдающейся художественной ценности были созданы только Бородиным, автором двух струнных квартетов и фортепианного квинтета. Уникальное место в фортепианной литературе по оригинальности замысла и колористическому своеобразию занимают «Исламей» Балакирева и «Картинки с выставки» Мусоргского.

В своей новаторской устремлённости «Могучая кучка» сближалась с передовыми представителями западно-европейского музыкального романтизма — Р. Шуманом, Г. Берлиозом, Ф. Листом. Высоко ценили композиторы-«кучкисты» творчество Л. Бетховена, которого они считали родоначальником всей новой музыки. Вместе с тем в их отношении к музыкальному наследию добетховенского периода, а также к ряду явлений современного им зарубежного исккусства (итальянская опера, Р. Вагнер и др.) проявились черты одностороннего негативизма и предвзятости.

Источник