малевич три фигуры в поле история

Малевич, Кустодиев, Коровин: главные экспонаты выставки «Охотники за искусством»

В Музее русского импрессионизма открылась выставка «Охотники за искусством», посвященная советским коллекционерам, которые тайно и под угрозой конфискаций собирали шедевры. В экспозицию вошло более 70 работ русского и советского модернизма первой трети XX века, которые редко демонстрируются широкой публике. Несколько наиболее интересных экспонатов — в материале mos.ru.

«Встреча» Бориса Кустодиева

Автора этой работы можно угадать, не глядя на музейную этикетку: стиль мастера портретной и жанровой живописи Бориса Кустодиева очень узнаваем. Расцвет творчества художника пришелся на предреволюционный период, однако и после 1917 года он продолжал изображать праздничную, яркую Россию, иногда разительно отличающуюся от реальности. «Встреча» входит в эту галерею образов: на уже не существующей в реальности основе Кустодиев создает поэтическую мечту, сказку о жизни в уездном городе, проникнутую праздничным настроением.

«Три фигуры в поле» Казимира Малевича

На пути к супрематизму Малевич много экспериментировал, пробуя себя в разных направлениях — от импрессионизма, фовизма и сезаннизма до кубизма и реализма. В поздний период творчества Малевич был вынужден создать новые версии ранних работ, оставшихся за границей, куда художник ездил в 1927 году.

Так произошло и с работами так называемого крестьянского цикла. «Три фигуры в поле» — великолепный образец постсупрематического периода конца 1920-х — начала 1930-х годов. Малевич в примитивистском ключе представляет собственную интерпретацию темы крестьянства. Удаляющиеся за линию горизонта фигуры символизируют постепенно исчезающую крестьянскую жизнь.

«Трамвай» Александра Богомазова

Александра Богомазова часто сравнивали с Пабло Пикассо. Созданные им городские пейзажи и жанровые сцены отличаются оригинальными пластическими решениями, в них ритм линий сочетается с объемами цветных плоскостей. Метод автора называют спектрализмом, а использование чистых красок схоже с подходом Казимира Малевича, с которым Богомазов учился в московской школе-студии Федора Рерберга.

При жизни работы Богомазова нечасто выставлялись. Он рано скончался, сохранением его наследия занималась вдова, художница Ванда Монастырская-Богомазова. Она продавала картины покойного мужа только в серьезные собрания. «Трамвай» купил коллекционер Валерий Дудаков в начале 1980-х за беспрецедентно высокую на тот момент сумму — девять тысяч рублей.

«Женский портрет» Константина Коровина

На портрете предположительно изображена Наталья Вышеславцева, супруга Бориса Вышеславцева, русского философа и религиозного мыслителя, близкого к художественным кругам. Портрет Коровин написал, вероятно, в 1912 году на даче семьи Вышеславцевых в местечке Салтыковка (Курское направление Московской железной дороги), где неоднократно гостил.

Стилистику работ Коровина часто сравнивали со стилистикой французских импрессионистов. Однако на этом портрете автор отступает от такого колорита, используя темные коричневые тона в интерьере и фигуре, выразительно контрастирующие с холодными голубовато-зелеными оттенками пейзажа за окном.

Источник

Пять картин, которые стремились заполучить охотники за искусством

В 1950-1980-е годы работы художников-модернистов публично порицались и исключались из постоянных экспозиций государственных музеев. Коллекционеры же искали и приобретали произведения гонимых мастеров под угрозой ареста по статье «Спекуляция», рискуя не только средствами и имуществом, но и собственной свободой.

Свои сталинки и хрущовки коллекционеры превращали в настоящие островки культуры. Так, в доме агрофизика Абрама Чудновского хранилось более 200 работ Роберта Фалька, Павла Кузнецова, Кузьмы Петрова-Водкина, Марка Шагала и других мастеров. Буквально каждый сантиметр занимали произведения искусства в коммуналке механика Иосифа Эзраха. Жил среди полотен знаменитых художников и физик Илья Палеев.

Выставка «Охотники за искусством» будет открыта для публики с 21 апреля по 29 августа и станет частью большого спецпроекта, посвященного пятилетию Музея русского импрессионизма. А пока сотрудники музея раскрывают читателям «РГ» секреты пяти картин, которые также можно будет увидеть на выставке.

Николай Рерих. «Варяжский путь». 1907 год. Собрание С. Н. Валка. Ныне в собрании KGallery, Санкт-Петербург.

Казимир Малевич. «Три фигуры в поле». (1913?)-1928. Собрание В. А. Дудакова.

Зинаида Серебрякова. «Крестьянка. Портрет няни». Начало 1910-х. Собрание И. И. Палеева.

Лучшие свои вещи Зинаида Серебрякова (1984-1967) написала в имении Нескучное, принадлежавшем семьям Бенуа-Лансере, на границе Курской и Харьковской губерний. Портреты крестьян складываются у Серебряковой в серию «Типы Курской губернии», изданную в открытках Общиной святой Евгении. Со многими из сельских девушек Серебрякова близко общалась, они стали моделями не только для жанровых сцен, типа знаменитого «Беления холста», но и для «Бани» и рондо с аллегориями стран Востока для Казанского вокзала. Наследница неоклассических традиций, племянница Александра Бенуа и дочь Евгения Лансере, Серебрякова восхищалась живописцами-романтиками Алексеем Венециановым и Василием Тропининым. В «Портрете няни» художница выбирает ракурс снизу, добиваясь монументальности фигуры. При этом портрет написан с вермееровской теплотой и внимательностью: суровый взгляд модели подчеркнут скупой цветовой гаммой охристого, голубого и белого.

Михаил Нестеров. «Святая Ольга». 1892-1893 (?). Собрание А. Е. Стычкина. Ныне в частном собрании.

Михаил Нестеров (1862-1942) был одним из самых выдающихся мастеров русского и советского искусства: уже первые полотна недавнего выпускника МУЖВЗ покупает в свое собрание Павел Третьяков, а творческое наследие художника насчитывает несколько тысяч произведений. «Нестеровский пейзаж» и «нестеровская девушка» становятся яркими и узнаваемыми сюжетами и образами творчества художника. «Святая Ольга» из собрания Алексея Стычкина является авторским повторением образа, созданного для оформления южного (правого) придела на хорах Владимирского собора в Киеве. К участию в работе над созданием цикла росписей Нестерова пригласил историк искусства, археолог и художественный критик Адриан Прахов, руководивший внутренней отделкой собора; группу художников возглавлял Виктор Васнецов. Работа над фресками Владимирского собора настолько увлекла Нестерова, что изучать византийское монументальное искусство художник отправляется в трехмесячное путешествие, посещает Константинополь, Афины, Рим, Флоренцию, Равенну. Религиозные фрески для православных храмов Нестеров создает и в грузинском Абастумане (церковь Александра Невского), и в украинских Сумах (Спасо-Преображенский собор), и, конечно, в российских столицах: росписи в московской Марфо-Мариинской обители и эскизы для петербургского собора Воскресения Христова на Крови.

Нико Пиросмани. Погонщик с верблюдом. 1910-е. Собрание И. Г. Сановича. Ныне в частном собрании.

Источник

Охотники за искусством

Первым проектом Музея русского импрессионизма в юбилейном году с 21 апреля по 29 августа 2021 года стала выставка «Охотники за искусством». Выставка рассказывает о том, как в годы оттепели и застоя увлеченные коллекционеры собирали и сохраняли произведения музейного уровня. В экспозиции представлено более 70 работ русского и советского модернизма первой трети XX века – от Константина Коровина и Александра Бенуа до Казимира Малевича и Нико Пиросмани. Партнером выставки выступила петербургская галерея K Gallery.

О том, что в советское время были люди, хранившие дома шедевры живописи, говорят редко и мало. Музей рассказывет истории четырнадцати коллекционеров из Москвы и Ленинграда и их находок, многие из которых до сих пор редко демонстрируются широкой публике. Зрители могут увидеть произведения мирискусников Бориса Кустодиева, Константина Сомова, символистов «Голубой розы» Павла Кузнецова, Николая Сапунова, московских сезаннистов «Бубнового валета» Роберта Фалька, Ильи Машкова и Аристарха Лентулова. В состав экспозиции также вошли самобытные примитивистские произведения Нико Пиросмани из коллекции Игоря Сановича, работы Бориса Григорьева из собрания Николая Тимофеева, уникальная подборка первых по значимости работ Василия Кандинского и Алексея Явленского из частного собрания Валерия Дудакова.

Во многом благодаря таким собирателям, как кинорежиссер Соломон Шустер, переводчик-синхронист Алексей Стычкин, врачи Александр Мясников и Арам Абрамян, видный дипломат Владимир Семенов, были сохранены значимые произведения русского искусства. В 1950–1980-е годы работы художников-модернистов публично порицались и исключались из постоянных экспозиций государственных музеев. Коллекционеры искали и приобретали произведения гонимых мастеров под угрозой ареста по статье «Спекуляция», рискуя не только средствами и имуществом, но и собственной свободой. В наше время многие из этих работ продаются на аукционах за рекордные суммы.

Для героев выставки пополнение коллекций являлось попыткой сформировать собственный мир, альтернативный советской действительности. Типовые квартиры коллекционеров в «сталинках» и «хрущевках» нередко превращались в настоящие островки культуры и искусства. С агрофизиком Абрамом Чудновским в квартире соседствовали более 200 работ Роберта Фалька, Павла Кузнецова, Кузьмы Петрова-Водкина, Марка Шагала и других мастеров. Буквально каждый миллиметр занимали произведениями искусства в коммуналке механика Иосифа Эзраха, жил среди полотен знаменитых художников и физик Илья Палеев.

«Я начал собирать живопись в 1953 году в ознаменование смерти Сталина», – вспоминал советский экономист Яков Рубинштейн, подразумевая, что до этого ему было страшно заниматься коллекционированием. Под постоянным страхом конфискации коллекций и повторных арестов жили историк Сигизмунд Валк, нефтехимик Игорь Афанасьев. Однако «вирус собирательства» был сильнее страха и коллекции продолжали пополняться. Приобрести произведения искусства легальным путем можно было в комиссионных магазинах. Прежде чем выставить в публичный доступ новые поступления сотрудники комиссионок нередко устраивали «закрытые просмотры» для избранного круга покупателей и лучшие вещи доставались им. Авангардные работы не принимались на комиссию по соображениям цензуры и были доступны только для узкого круга коллекционеров, знакомых с художниками и их наследниками.

Представленные на выставке работы до сих пор находятся в частных собраниях наследников или современных коллекционеров. Каждой коллекции посвящен один раздел экспозиции с портретами коллекционеров, выполненных художником Марией Пономаревой, и эссе о каждом собирателе от искусствоведа и писателя Софьи Багдасаровой. Оформление выставки в стиле криминальной драмы напоминает детективную историю охоты за предметами искусства. Важной частью проекта является серия фотографий летописца позднесоветской эпохи Игоря Пальмина – она помогает совершить виртуальное путешествие в прошлое, вспомнить или попытаться ощутить атмосферу тех лет.

Куратор выставки – Анастасия Винокурова, ведущий специалист выставочного отдела Музея русского импрессионизма.

Источник

В Москве открылась выставка работ Малевича и Шагала

Полотна Василия Кандинского, Казимира Малевича и Марка Шагала можно увидеть в рамках экспозиции «Охотники за искусством» в Музее русского импрессионизма.

На выставке представлено более 70 работ художников первой трети 20-го века из 14 частных коллекций, которые редко демонстрируются широкой публике. Работы художников-модернистов коллекционеры собирали под угрозой ареста по статье «Спекуляция». В 1950—1980-е годы произведения представителей модернизма подвергались публичному порицанию за «декадентство». Среди работ, представленных в стенах Музея русского импрессионизма — «Три фигуры в поле» Казимира Малевича, «Погонщик с верблюдом» Нико Пиросмани, «Встреча (Пасхальный день)» Бориса Кустодиева, «Женский портрет» Константина Коровина, «Пейзаж с радугой» Константина Сомова, «Травмай» Александра Богомазова. Гости выставки также смогут увидеть произведения Роберта Фалька и Ильи Машкова.

Каждой из 14 коллекций посвящён отдельный раздел. В экспозицию также вошли кадры фотографа Игоря Пальмина из серии «Скромная жизнь». «Ей мы хотели дополнить экспозицию и отразить атмосферу унифицированного существования, имевшую место в рассматриваемый период. Мы хотели дать нашим посетителям вспомнить или ощутить ту атмосферу, в которой стремились найти выход герои выставки», — рассказала куратор выставки Анастасия Винокурова.

Источник

Цветущие сады и портреты крестьян: чем помимо «Чёрного квадрата» известен Малевич

Этюды в духе импрессионизма

В начале 1900-х годов 25-летний Казимир Малевич приступает к работе над серией этюдов в духе импрессионизма. Тогда появятся «Весенний сад в цвету», «Биркенхайн», «Весенний пейзаж» и другие произведения. Художник будет возвращаться к этому стилю в течение всей жизни: он не только любил импрессионистов, но и уверял окружающих, что он сам и искусство в целом развивались «от импрессионизма к супрематизму».

«…Я наткнулся на вон из ряда выходящее явление в моём живописном восприятии природы. Передо мной среди деревьев стоял заново белённый мелом дом, был солнечный день, небо кобальтовое, с одной стороны дома была тень, с другой — солнце. Я впервые увидел светлые рефлексы голубого неба, чистые и прозрачные тона. С тех пор я начал работать светлой живописью, радостной, солнечной… С тех пор я стал импрессионистом», — утверждал Малевич.

Согласно мнению ряда исследователей, чтобы убедить всех в правдивости данного утверждения, Малевич написал несколько импрессионистских картин задним числом — созданные специально к открывшейся в Государственной Третьяковской галерее выставке в 1929 году произведения художник датировал 1903—1906 годами.

Эскизы фресковой живописи

В начале своего творческого пути Малевич также создаст цикл картин, напоминающих фресковую живопись, — в том числе автопортрет, сочетающий элементы иконной живописи и модерна.

Отношение художника к религии заслуживает отдельного внимания. Уже после революции в Витебске издаётся его брошюра «Бог не скинут. Искусство, церковь, фабрика». «Каждый человек спешит к совершенству своему, стремится быть ближе к Богу, ибо в Боге его совершенство, следовательно, каждый шаг человека должен быть направляем к Богу, для чего он изыскивает пути или средства — просто ищет Божеских признаков. Думая о достижениях, он построил себе два пути. Религиозный техникум и гражданский или фабричный, церковь и фабрику. Два техникума идут к одинаковой цели. И вопрос одинаков, цель одинакова и смысл — искание Бога», — писал он.

Товарищи по цеху это откровение восприняли неоднозначно. «После откровенного выпада Малевича даже сомневающиеся, даже близорукие сумеют под маской красного квадрата разглядеть чёрное лицо старого искусства. Малевичу нечего делать с левыми», — отмечал основатель «ЛЕФа» Борис Арватов.

Всего понемногу

В 1907 году Малевич переезжает в Москву, начинает посещать занятия в студии Фёдора Рерберга и принимает участие в XIV выставке Московского товарищества художников. Годом позднее открывается выставка «Салон Золотого руна». Символисты привозят в город более пятидесяти крупнейших французских мастеров, в том числе Ренуара, Дега, Сезанна, Гогена, Ван Гога, Матисса и многих других.

Эта выставка стала одним из самых ярких событий в истории искусства ХХ века и оказала огромное влияние на творческое мировоззрение ряда русских художников. Не мог не вдохновиться увиденным и Малевич, который в поисках собственного стиля обратится и к клуазонизму, и к кубизму, и к фовизму.

В последней выставке журнала «Золотое руно», открывшейся в 1909 году, Малевич — в составе авангардного объединения «Бубновый валет» — уже принимал непосредственное участие.

Кубофутуризм

Малевич беспрестанно продолжает эксперименты с пространством и движением. В 1913 году он пишет, что единственно верным течением в живописи является кубофутуризм. Тогда появляются «Женщина с вёдрами», «Портрет М.В. Матюшина», «Утро после грозы» и другие картины, признанные классическими произведениями русского кубофутуризма.

Одной из наиболее ярких работ Малевича того периода стал «Точильщик (Принцип мелькания)». В ней художник сумел совместить статику и динамику. Внимательный зритель увидит на полотне не набор геометрических фигур, а рабочего с рыжими усами, склонившегося над точильным станком и нажимающего на педаль. На заднем плане слева стоит жёлтый стол, справа виднеются ступени.

Агитационные плакаты

В 1914 году Россия вступила в Первую мировую войну, и группа авангардистов, в которую входил Казимир Малевич, создала объединение «Сегодняшний лубок» и принялась за отрисовку агитационных плакатов. Эти плакаты представляли собой изображения с шутливыми подписями и в целом сохраняли знакомую русскому народу лубочную стилистику.

Неприятель на таких рисунках представал маленьким и жалким. С таким легко могла справиться полнотелая крестьянка («Шёл австриец в Радзивилы, да попал на бабьи вилы»), а уж союзники сгребали в охапку сразу с десяток вражеских солдат с головами, похожими на жёлуди («У союзников французов — битых немцев целый кузов. А у братцев англичан — драных немцев целый чан»). Стихи эти, к слову, принадлежат другому участнику группы — Владимиру Маяковскому.

Супрематические композиции

В 1915 году Малевич в полную силу работает над созданием своих первых супрематических композиций. На последней футуристической выставке картин под названием «0,10» художник представляет 39 беспредметных работ и объясняет их смысл в манифесте «От кубизма и футуризма к супрематизму. Новый живописный реализм». На той же выставке зрителям был впервые продемонстрирован знаменитый «Чёрный квадрат», вместе с картинами «Чёрный круг» и «Чёрный крест» образующий триптих.

Крестьянская тематика

«На плантациях работали крестьяне, от мала до велика, почти всё лето и осень, а я, будущий художник, любовался полями и «цветными» работниками, которые пололи или прорывали свёклу. Взводы девушек в цветных одеждах двигались рядами по всему полю. Это была война. Войска в цветных платьях боролись с сорной травой, освобождая свёклу от зарастания ненужными растениями», — так Малевич вспоминал о счастливых моментах своего детства, проведённых среди крестьян.

В детстве художник помогал крестьянам расписывать печи, в юношестве — через иконопись пытался понять их «эмоциональное искусство». Впоследствии он многократно будет обращаться к теме крестьянства в своих произведениях.

Исследователи выделяют два «крестьянских» периода Малевича: досупрематический и постсупрематический. В первой серии крестьяне представлены в возвышенном ключе. Вероятно, вспоминая впечатления от своих детских наблюдений, Малевич восторгается их силой и трудолюбием. Второй цикл преисполнен драматизма. Теперь его крестьяне — трагичные, безликие фигуры. «Полуобразы», как их называл сам художник.

Реалистические портреты

В последние годы жизни Казимир Малевич пишет преимущественно портреты реалистического характера, нередко вдохновлённые работами мастеров Возрождения. Моделями выступают люди из близкого окружения художника — его родные, друзья, ученики.

Широкую известность получил автопортрет Малевича 1933 года. Он же — наиболее узнаваемый из всех автопортретов художника. На этой картине Малевич изображает себя с гордо поднятой головой, будто бы демонстрируя, что не сдаётся и не отказывается от своих убеждений (чего от него постоянно требовали власть и общество). На обороте картины он оставил второе название: «Художник».

Источник