мировые картины с интересной историей

20 самых странных картин в мировой живописи

Живопись, если не брать в расчет реалистов, всегда была, есть и будет странной. Но некоторые картины страннее других.

Есть произведения искусства, которые словно бьют зрителя по голове, ошарашивая и изумляя. Другие затягивают в раздумья и в поиски смысловых слоев, тайной символики. Некоторые картины овеяны тайнами и мистическими загадками, а другие удивляют непомерной ценой.

Мы тщательно просмотрели все главные достижения в мировой живописи и выбрали из них два десятка самых странных картин. Сальвадора Дали, чьи работы полностью попадают под формат этого материала и первыми приходят на ум, не включили в эту подборку намеренно.

Понятно, что «странность» — это довольно субъективное понятие и для каждого есть свои удивительные картины, выбивающиеся из ряда прочих произведений искусства. Мы будем рады, если вы поделитесь ими в комментариях и расскажете о них немного.

Эдвард Мунк. 1893, картон, масло, темпера, пастель.
Национальная галерея, Осло.

«Крик» считается знаковым событием экспрессионизма и одной из самых известных картин в мире.

Существуют две трактовки изображенного: это сам герой охвачен ужасом и безмолвно кричит, прижимая руки к ушам; или же герой закрывает уши от звучащего вокруг крика мира и природы. Мунк написал четыре варианта «Крика», и есть версия, что картина эта — плод маниакально-депрессивного психоза, от которого страдал художник. После курса лечения в клинике Мунк не возвращался к работе над полотном.

«Я шел по тропинке с двумя друзьями. Солнце садилось — неожиданно небо стало кроваво-красным, я приостановился, чувствуя изнеможение, и оперся о забор — я смотрел на кровь и языки пламени над синевато-черным фьордом и городом. Мои друзья пошли дальше, а я стоял, дрожа от волнения, ощущая бесконечный крик, пронзающий природу», — говорил Эдвард Мунк об истории создания картины.

«Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идем?»

Поль Гоген. 1897-1898, холст, масло.
Музей изящных искусств, Бостон.

По указанию самого Гогена картину следует читать справа налево — три основные группы фигур иллюстрируют вопросы, поставленные в названии.

Три женщины с ребенком представляют начало жизни; средняя группа символизирует ежедневное существование зрелости; в заключительной группе, по замыслу художника, «старая женщина, приближающаяся к смерти, кажется примирившейся и предавшейся своим размышлениям», у ее ног «странная белая птица. представляет бесполезность слов».

Глубоко философская картина постимпрессиониста Поля Гогена была написана им на Таити, куда тот сбежал от Парижа. По завершении работы он хотел даже покончить жизнь самоубийством: «Я верю, что это полотно превосходит все мои предыдущие и что я никогда не создам что-то лучше или даже похожее». Он прожил еще пять лет, так и получилось.

«Герника»

Пабло Пикассо. 1937, холст, масло.
Музей королевы Софии, Мадрид.

«Герника» представляет сцены смерти, насилия, зверства, страдания и беспомощности, без указания их непосредственных причин, но они очевидны. Рассказывают, что в 1940 году Пабло Пикассо вызвали в гестапо в Париже. Речь сразу зашла о картине. «Это сделали вы?» — «Нет, это сделали вы».

Огромное полотно-фреска «Герника», написанная Пикассо в 1937 году, рассказывает о налете добровольческого подразделения люфтваффе на город Герника, в результате которого шеститысячный город был полностью уничтожен. Картина была написана буквально за месяц — первые дни работы над картиной Пикассо работал по 10-12 часов, и уже в первых набросках можно было увидеть главную идею. Это одна из лучших иллюстраций кошмара фашизма, а также человеческой жестокости и горя.

«Портрет четы Арнольфини»

Ян ван Эйк. 1434, дерево, масло.
Лондонская национальная галерея, Лондон.

Знаменитая картина целиком и полностью наполнена символами, аллегориями и разнообразными отсылками — вплоть до подписи «Ян ван Эйк был здесь», превратившей картину не просто в произведение искусства, а в исторический документ, подтверждающий реальность события, на котором присутствовал художник.

Портрет предположительно Джованни ди Николао Арнольфини и его жены является одним из наиболее сложных произведений западной школы живописи Северного Возрождения.

В России в последние несколько лет картина обрела большую популярность благодаря портретному сходству Арнольфини с Владимиром Путиным.

«Демон сидящий»

Михаил Врубель. 1890, холст, масло.
Государственная Третьяковская галерея, Москва.

Картина Михаила Врубеля удивляет образом демона. Его печальный вид совсем не похож на общечеловеческие представления о том, как должен выглядеть злой дух.

Это образ силы человеческого духа, внутренней борьбы, сомнений. Трагически сцепив руки, Демон сидит в окружении цветов, устремив свой взгляд вдаль. Композиция подчеркивает стесненность его фигуры, будто бы зажатой между верхней и нижней перекладинами рамы.

Сам художник говорил о самой известной своей картине: «Демон — дух не столько злобный, сколько страдающий и скорбный, при всем этом дух властный, величавый».

«Апофеоз войны»

Василий Верещагин. 1871, холст, масло.
Государственная Третьяковская галерея, Москва.

Верещагин — один из главных российских художников-баталистов, но он рисовал войны и сражения не потому, что видел в них красоту и величие. Наоборот, художник пытался передать людям свое негативное отношение к войне.

Однажды Верещагин в пылу эмоций воскликнул: «Больше батальных картин писать не буду — баста! Я слишком близко к сердцу принимаю то, что пишу, выплакиваю (буквально) горе каждого раненого и убитого». Вероятно, результатом этого возгласа стала страшная и завораживающая картина «Апофеоз войны».

«Американская готика»

Грант Вуд. 1930, масло. 74×62 см.
Чикагский институт искусств, Чикаго.

Картина с мрачными образами отца и дочери переполнена деталями, которые указывают на суровость, пуританство и ретроградство изображенных людей. Сердитые лица, вилы прямо посередине картины, старомодная даже по меркам 1930 года одежда, швы на одежде фермера, повторяющие форму вил, как символ угрозы, которая адресована всем, кто посягнет. Полотно насыщено мрачными подробностями, которые заставляют ежиться от неуюта.

«Американская готика» — один из самых узнаваемых образов в американском искусстве XX века, известнейший художественный мем XX и XXI столетий.

Интересно, что судьи конкурса в Чикагском институте искусств восприняли «Готику» как «юмористическую валентинку», а жители штата Айова страшно обиделись на Вуда за то, что тот изобразил их в столь неприятном свете.

«Влюбленные»

Рене Магритт. 1928, холст, масло.

Картина «Влюбленные» («Любовники») существует в двух вариантах. На одном полотне мужчина и женщина, чьи головы укутаны белой тканью, целуются, а на другом — «смотрят» на зрителя. Картина удивляет и завораживает.

Двумя фигурами без лиц Магритт передал идею о слепоте любви. О слепоте во всех смыслах: влюбленные никого не видят, не видим их истинных лиц и мы, а кроме того, влюбленные — загадка даже друг для друга. Но при этой кажущейся понятности, мы все равно продолжаем смотреть на магриттовских влюбленных и думать о них.

Едва ли не все картины Магритта — это ребусы, которые полностью разгадать невозможно, так как они ставят вопросы о самой сути бытия. Магритт все время говорит об обманчивости видимого, о его скрытой таинственности, которую мы обычно не замечаем.

«Прогулка»

Марк Шагал. 1917, холст, масло.
Государственная Третьяковская галерея.

«Прогулка» — это автопортрет художника с супругой Беллой. Его любимая парит в небе и того гляди утащит в полет и Шагала, стоящего на земле непрочно, будто касаясь ее только носками туфель. В другой руке у Шагала синица — он счастлив, у него есть и синица в руках (вероятно, его живопись), и журавль в небе.

Обычно до крайности серьезный в своей живописи Марк Шагал написал восхитительный манифест собственного счастья, наполненный аллегориями и любовью.

«Сад земных наслаждений»

Иероним Босх. 1500-1510, дерево, масло.
Прадо, Испания.

«Сад земных наслаждений» — самый известный триптих Иеронима Босха, получивший свое название по теме центральной части, посвящен греху сладострастия.

Картина насыщена фантастическими фигурами, сооружениями, образами чудовищ, словно обретшими плоть галлюцинациями — всем тем, что можно назвать адскими карикатурами реальности, на которую автор смотрит испытующим, чрезвычайно острым взглядом.

Некоторые ученые хотели видеть в триптихе изображение жизни человека сквозь призму тщеты земной любви, другие — торжество сладострастия. Однако простодушие и некоторая отстраненность, с которыми трактовались отдельные фигуры на картине, а также благосклонное отношение к этому произведению церковных властей заставляют сомневаться, что содержанием его могло быть прославление телесных наслаждений.

На сегодняшний день ни одно из имеющихся толкований картины не признано единственно верным.

«Три возраста женщины»

Густав Климт. 1905, холст, масло.
Национальная галерея современного искусства, Рим.

Эта работа Климта одновременно передает ощущение и радости, и печали. В ней тремя фигурами написана история жизни женщины: беззаботность, умиротворение и отчаяние.

Молодой женский образ органично вплетен в орнамент жизни, образ старой женщины выделяется из него. Контраст между стилизованным изображением молодой женщины и натуралистическим образом старухи приобретает символический смысл: первая фаза жизни несет с собой бесконечные возможности и метаморфозы, последняя — постоянство и конфликт с реальностью.

Полотно не отпускает, забирается в душу и заставляет думать о глубине послания художника, равно как и о глубине и неизбежности жизни.

«Семья»

Эгон Шиле. 1918, холст, масло.
Галерея «Бельведер», Вена.

Шиле был учеником Климта, но, как и всякий отличный ученик, он не копировал своего учителя, а искал новое. Шиле куда более трагичный, странный и пугающий, нежели Густав Климт. В его работах много того, что можно было бы назвать порнографией, разнообразных перверсий, натурализма и при этом щемящего отчаяния.

«Семья» — его последняя работа, в которой отчаяние доведено до абсолюта, несмотря на то что это наименее странно выглядящая его картина. Художник нарисовал ее перед самой смертью, в 28 лет, после того как от испанки умерла его беременная жена Эдит. На полотне изображен сам автор, его жена и их так и не рожденный ребенок.

«Две Фриды»

История трудной жизни мексиканской художницы Фриды Кало стала широко известна после выхода фильма «Фрида» с Сальмой Хайек в главной роли. Кало писала в основном автопортреты и объясняла это просто: «Я пишу себя, потому что много времени провожу в одиночестве и потому что являюсь той темой, которую знаю лучше всего».

Ни на одном автопортрете Фрида Кало не улыбается: серьезное, даже скорбное лицо, сросшиеся густые брови, чуть заметные усики над плотно сжатыми губами. Идеи художницы зашифрованы в деталях, фоне, фигурах, появляющихся рядом с изображением автора на полотнах. Символика Кало опирается на национальные традиции и тесно связана с индейской мифологией доиспанского периода.

В одной из своих лучших картин «Две Фриды» она выразила мужское и женское начала, соединенные в ней единой кровеносной системой и демонстрирующие ее целостность.

«Мост Ватерлоо. Эффект тумана»

Клод Моне. 1899, холст, масло.
Государственный музей Эрмитаж, Санкт-Петербург.

При рассмотрении картины с близкого расстояния зритель не видит ничего, кроме полотна, на который нанесены частые густые масляные мазки. Вся магия произведения раскрывается, когда мы постепенно начинаем отодвигаться от полотна на большее расстояние.

Сначала перед нами проявляются непонятные полуокружности, проходящие через середину картины, затем мы видим явные очертания лодок, а если мы отойдем приблизительно на два метра, то перед нами возникнут и выстроятся в логическую цепочку все связующие произведения.

«Номер 5, 1948»

Джексон Поллок. 1948, фибролит, масло.

Странность этой картины в том, что полотно американского лидера абстрактного экспрессионизма, которое он нарисовал, разливая краску по разложенному на полу куску фибролита, — одна из самых дорогих картин в мире. В 2006 году на аукционе Sotheby’s за нее заплатили 140 миллионов долларов. Дэвид Гиффен, кинопродюсер и коллекционер, продал ее мексиканскому финансисту Дэвиду Мартинесу.

«Я продолжаю отходить от обычных инструментов художника, таких как мольберт, палитра и кисти. Я предпочитаю палочки, совки, ножи и льющуюся краску или смесь краски с песком, битым стеклом или чем-то еще. Когда я внутри живописи, я не осознаю, что я делаю. Понимание приходит позже. У меня нет страха перед изменениями или разрушением образа, поскольку картина живет своей собственной жизнью. Я просто помогаю ей выйти наружу. Но, если я теряю контакт с картиной, получается грязь и беспорядок. Если же нет, то это чистая гармония, легкость того, как ты берешь и отдаешь».

«Мужчина и женщина перед кучей экскрементов»

Жоан Миро. 1935, медь, масло.
Фонд Жоана Миро, Испания.

Хорошее название. И кто бы мог подумать, что эта работа говорит нам об ужасах гражданских войн.

Картина была сделана на листе меди за неделю между 15 и 22 октября 1935 года. По словам Миро, это результат попытки изобразить трагедию Гражданской войны в Испании, картина о периоде беспокойства. На полотне изображены фигуры мужчины и женщины, тянущиеся друг к другу в объятия, но при этом не движущиеся. Увеличенные половые органы и зловещие цвета были описаны автором как «полные отвращения и гадливой сексуальности».

«Эрозия»

Польский неосюрреалист известен по всему миру благодаря своим удивительным картинам, в которых объединяются реальности, создающие все новые. Трудно рассматривать его предельно детальные и в какой-то степени умилительные работы по одной, но таков формат нашего материала. Рекомендуем ознакомиться подробнее.

«Руки противятся ему»

Билл Стоунхэм. 1972.

Эту работу, конечно, нельзя причислить к шедеврам мировой живописи, но то, что она странная, — это факт.

Вокруг картины с мальчиком, куклой и ладошками, прижатыми к стеклу, ходят легенды. От «из-за этой картины умирают» до «дети на ней живые». Выглядит картина и впрямь жутковато, что порождает у людей со слабой психикой массу страхов и домыслов.

Художник же уверял, что на картине изображен он сам в возрасте пяти лет, что дверь — представление разделительной линии между реальным миром и миром снов, а кукла — проводник, который сможет провести мальчика через этот мир. Руки представляют альтернативные жизни или возможности.

Картина обрела известность в феврале 2000 года, когда была выставлена на продажу на eBay с предысторией, рассказывающей, что картина — «с привидениями». «Руки противятся ему» купил за 1025 долларов Ким Смит, который затем был просто завален письмами с жуткими историями и требованиями сжечь картину.

Источник

Самые загадочные картины великих художников

Самые загадочные картины: Unsplash

Самые загадочные картины в мире до сих пор несут в себе неразгаданные тайны. Некоторые шифры и знаки увидит любой внимательный зритель, другие — только исследователь, вооруженный рентгеновским аппаратом. В топ-10 самых загадочных вошли картины: «Мона Лиза», «Крик» и «Тайная вечеря».

«Мона Лиза» (Леонардо да Винчи)

«Мона Лиза», или «Джоконда», — портрет, написанный гением эпохи Возрождения Леонардо да Винчи. Точная дата написания доподлинно неизвестна, ориентировочно между 1503 и 1505 годами. Полное название картины «Портрет госпожи Лизы дель Джоконды».

«Мона Лиза» — одно из самых узнаваемых произведений западного искусства. Во многом известность картины связана не только с самим изображением, но и с окутывающим ее ореолом таинственности.

«Мона Лиза» (Леонардо да Винчи): Wikipedia

До сих пор точно не известно, кто же именно изображен на картине. По одной из версий, для портрета позировала жена богатого флорентийского купца Франческо Джокондо Лиза Герардини. По другой версии, да Винчи изобразил самого себя в женском обличии. Завораживает загадочная улыбка «Джоконды».

Известно, что Леонардо да Винчи был очень привязан к картине. Он писал ее медленно. По легенде он влюбился в картину, а улыбка доводила его до творческого экстаза. Однако исследователи считают это всего лишь домыслом, а привязанность художника к картине объясняют тем, что в ней отразилась вершина мастерства гения.

Как утверждает исследователь Паскаль Котт, в ходе рентгенологического исследования картины был выявлен предварительный эскиз, местами заметно отличающийся от окончательной версии картины.

«Крик» (Эдвард Мунк)

«Крик» — серия картина норвежского художника Эдварда Мунка. Наиболее узнаваемая картина написана в 1893 году. На ней изображена похожая на человеческую фигура, которая кричит. «Крик» признан мировым символом экспрессионизма.

Фигура изображена максимально примитивно и напоминает живой скелет или даже эмбрион. Окружающий пейзаж вторит крику персонажа и изгибается как звуковая волна. Согласно другой версии, искаженное лицо персонажа отражает боль от раздающегося вокруг крика природы.

«Крик» (Эдвард Мунк): Wikipedia

Вдохновение написать такую картину пришло к Мунку, когда во время прогулки он наблюдал кроваво-красный закат над норвежскими фьордами. Он буквально ощутил крик, пронзающий природу.

«Сотворение Адама» (Микеланджело)

«Сотворение Адама» — фреска, написанная Микеланджело около 1511 года. Это одна из девяти композиций, расположенных в центре потолка Сикстинской капеллы.

На картине изображен библейский эпизод сотворения Богом человека (Бытие 1:27). В основе композиции — жесты двух рук. Рука Бога-отца вытянута в сторону Адама и почти касается его. Рука Адама похожа на такую, которая только начинает движение. Этим художник изобразил процесс сотворения: божественная рука передает импульс, вдыхает жизнь в Адама, и его тело реагирует на это.

«Сотворение Адама» (Микеланджело): Wikipedia

Некоторые исследователи указывают на необычайную схожесть окружения Бога и строения человеческого мозга. Известно, что у Микеланджело были глубокие познания в области анатомии. При более детальном рассмотрении картины создается вполне реальное впечатление, что в изображении Бога художник воплотил именно человеческий мозг. Таким образом он, возможно, подчеркнул, что главный дар Бога — разум.

Кроме того, на картине можно рассмотреть идеализированный процесс рождения человека, а также у Адама просматривается ребро, из которого потом была создана Ева.

«Ночная терраса кафе» (Винсент ван Гог)

«Ночная терраса кафе» — картина, созданная голландским живописцем Винсентом ван Гогом в 1888 году. Картина написана маслом на холсте. Примечательно, что, создавая ее, художник не использовал черную краску.

На первый взгляд картина не имеет никакого скрытого подтекста. Однако при детальном рассмотрении происходящего на летней террасе кафе можно заметить определенные сходства с «Тайном вечерей» да Винчи.

«Ночная терраса кафе» (Винсент ван Гог): Wikipedia

В центре зала стоит официант в белой тунике, внешне похожий на Иисуса Христа. Вокруг него находятся 12 посетителей, при этом один из посетителей находится как бы в стороне и собирается уходить. В этом видят аллюзию на 12 апостолов и Иуду. Оконная рама за спиной официанта похожа на крест.

«Тайная вечеря» (Леонардо да Винчи)

«Тайная вечеря» — монументальная роспись Леонардо да Винчи. Написана между 1495 и 1498 годами в монастыре Санта-Мария-делле-Грацие, Милан (Италия). Размеры изображения 4,6×8,8 м. Картина украшает трапезную монастыря.

На ней изображен библейский эпизод Тайной вечери — последней трапезы Иисуса Христа с двенадцатью апостолами. Картина изображает момент, когда Иисус произнес слова, что один из учеников предаст его. Да Винчи мастерски изобразил реакцию апостолов, а также использовал свет таким образом, чтобы у сидящего в трапезной монастыря возникало ощущение присутствия.

«Тайная вечеря» (Леонардо да Винчи): Wikipedia

До сих пор в этой картине пытаются найти тайные символы в жестах апостолов, их позах, одеянии. Не утихают споры и по поводу изображения Иоанна, который на картине похож на девушку. Современные ученые сходятся на том, что да Винчи наделил картину скрытыми символами, однако в значительно меньшем количестве, чем это описывает Дэн Браун в книге «Код да Винчи».

«Девушка с жемчужной сережкой» (Ян Вермеер)

«Девушка с жемчужной сережкой» — самая известная картина голландского художника Яна Вермеера. Написана в Гааге ориентировочно в 1665 году маслом по холсту.

Первая загадка картины — кто на ней изображен. Девушка запечатлена в момент поворачивания головы, будто только кого-то заметила. Достоверно не известно, кого именно изобразил художник. Существует версия, что девушка на картине — дочь Вермеера Мария, однако точных подтверждений этому факту нет.

«Девушка с жемчужной сережкой» (Ян Вермеер): Wikipedia

Вторая загадка — из чего сделана сережка и сережка ли это вообще. Она расположена на картине так, чтобы при беглом взгляде внимание фокусировалось именно на ней. Жемчуга такого размера не существует в природе, что указывает на то, что сережке декорирована фальшивым жемчугом из венецианского стекла или перламутра. Кроме того, не видно других частей сережки, которыми бы она цеплялась к уху.

«Демон поверженный» (Михаил Врубель)

«Демон поверженный» — картина русского художника Михаила Врубеля. Она написана маслом на холсте в 1902 году, размер картины — 139×387 см. Сейчас экспонируется в Третьяковской галерее.

Фон картины — горы и алый закат. Возвышенности были срисованы художником с фотографий Кавказа. Фигура демона как бы зажата между двумя половинами картины и действительно выглядит поверженной.

«Демон поверженный» (Михаил Врубель): Wikipedia

Картину представили на выставке «Мир искусства» в Санкт-Петербурге в 1902 году. Несмотря на то что картина уже выставлялась, Врубель почти каждый день приходил к ней и пытался дорисовать что-то или подправить. Поэтому постоянно менялось лицо, поза демона и фон. Желание дописать готовую картину было маниакальным.

С каждым днем состояние художника ухудшалось, окружающие видели пугающие перемены. В конце концов Врубеля госпитализировали в психиатрическую больницу, где у него диагностировали поражение нервной системы.

«Старый рыбак» (Тивадар Костка Чонтвари)

«Старый рыбак» — картина венгерского художника Тивадара Костки Чонтвари. Написана она в 1902 году. На картине изображен старец с несимметричным лицом.

«Старый рыбак» (Тивадар Костка Чонтвари): Wikipedia

На первый взгляд никакой загадки в картине нет. Однако если использовать зеркало и с его помощью посмотреть обе половины картины, то получатся два противоположных сюжета:

«Нидерландские пословицы» (Питер Брейгель Старший)

«Нидерландские пословицы», или «Мир вверх тормашками», — картина голландского живописца Питера Брейгеля Старшего. Написана маслом на доске в 1559 году, ее размер — 117×163 см.

«Нидерландские пословицы» (Питер Брейгель Старший): Wikipedia

На первый взгляд на полотне изображен обычный сельский сюжет. Однако если присмотреться, то можно увидеть, что художник буквально изобразил смысл голландских народных пословиц, например:

Общее количество пословиц и идиом, представленных на картине, достигает 126, однако не для всех из них установлены точные значения.

«Автопортрет» (Йоханнес Гумпп)

«Автопортрет» — картина австрийского художника Йоханнеса Гумппа. Она написана в 1646 году и стала самой знаменитой картиной живописца.

Полотно до сих пор вызывает споры относительно того, что именно изображено на нем. Наиболее вероятна версия, которая описывает, что на картине изображен сам художник спиной к зрителю, слева — его отражение в зеркале, справа — его автопортрет на холсте.

«Автопортрет» (Йоханнес Гумпп): Wikipedia

Самые загадочные картины поражают мистической красотой. Секретные знаки все еще будоражат умы любителей тайн. Каждое очередное исследование картин открывает новые скрытые смыслы.

Узнавайте обо всем первыми

Подпишитесь и узнавайте о свежих новостях Казахстана, фото, видео и других эксклюзивах.

Источник