народный певец на руси
Народный певец на Руси
Последняя бука буква «х»
Ответ на вопрос «Народный певец на Руси «, 8 (восемь) букв:
скоморох
Альтернативные вопросы в кроссвордах для слова скоморох
Определение слова скоморох в словарях
Примеры употребления слова скоморох в литературе.
Дома были разряжены, как женщины, скоморохи и бабочки, буквы выглядывали из акантовых завитков, слагаясь в нравоучения, и чиновники, в соответствии с требованиями самого строгого реализма, были вдвое выше простолюдинов.
Какое-то чувство особого доверия влекло сюда отверженных, презираемых всеми, голодных и босых людей: скоморох Гурка, выпущенный из тюрьмы разбойник Серега Пяст, Сережа-стригун, зелейный варщик пропойца Харлаша.
Старший из скоморохов, все еще разводя руками, остановился среди горницы и запел: Славны богатыри во Киеви, Славны звоны в Москве-городе, Сладки поцелуи коломенские, Широки подолы рязанские, Лубяные сарафаны во Суждали, Люто любы любки белевские, Белопузы вдовки литовские.
Прославленный Арчи Армстронг великодушно предложил сэру Манго полу своего собственного шутовского наряда, желая таким образом наделить его привилегиями и неприкосновенностью, свойственными должности придворного скомороха.
Для низкого звания людей и малочиновной бестолочи удовольствий немало заготовлено: по всей Москве поставлены качели да карусели, балаганы со скоморохами, гудошниками, гусельщиками да кукольниками.
Источник: библиотека Максима Мошкова
Певцы-сказатели на Руси
Жили когда-то на Руси Великой песенники-сказители. Они сочиняли и пели-рассказывали былины про героев русских и про жизнь народную: про князя Киевского Владимира Красно Солнышко и княгиню Апраксию, их дружинушку могучую, про битвы с лютыми ворогами, про царства-государства чужеземные. Пели про чудеса невиданные: Змеище-Горынчище, морского царя Водяника с царицею Водяницею, Идолище-великанище. И сложено было этих былин несчётное число, и ходило их по Руси бесконечное множество. И часто первые сведения о родной земле, о её героях и недругах дети получали из уст певцов-сказителей.
Гусли звончатые похожи на крыло птицы, или на геометрическую фигуру – трапецию. Певцы клали гусли на колени, наклоняя их в левую сторону. Струны защипывали либо обеими руками, либо только правой рукой, а левая в этот момент ласково приглушала струны. Позже звук начали извлекать плектром, или медиатором, отчего звучание стало ярче. На звончатых гуслях играли и бряцанием, как на балалайке, и «волнами», как на арфе. Несколько гуслей, играющих чудесную музыку вместе, никогда не называли ансамблем, а говорили о них, как о людях, что хором поют, так и сказывали – хор гуслей.
Неспешно былина о Добрыне Никитиче сказывается: «А двенадцати годов он на гуслях играл. На гуслях играл, песни складывал».
Гусли считают главным украшением оркестра русских народных инструментов. Благодаря гуслярам народная музыка звучит так же звонко и объёмно, как и много веков назад. И всегда гусляры сидят прямо по центру, словно возглавляют оркестр, выказывая почтение столь древнему и столь уважаемому на Руси инструменту.
Народные музыканты
В русской деревне песня сопутствовала человеку буквально всю жизнь. Песнями баюкали младенца в зыбке, дети постарше пели считалки, дразнилки, потешки. Пели парни и девушки, когда водили на лугу хороводы. Пели за рукоделием, в дороге и дома, за работой и на отдыхе. Без песен не бывало свадебного обряда. И уходил человек из жизни под звуки похоронного причета — песни-плача. Подобную картину можно нарисовать, говоря о фольклоре любого народа.
Какова же роль народных певцов в жизни песни? Применительно к народному творчеству принято говорить о «безымянном» или «коллективном» авторстве. Народный певец не «сочиняет» песню подобно композитору, но тем не менее участвует в ее создании, которое происходит каждый раз заново, когда он поет. Вместе с тем, исполняя народную песню, он опирается на богатейшую художественную традицию: неписаные законы звукоизвлечения, особенности тембра, ритма, мелодики, голосоведения передаются из поколения в поколение. В народной музыке всегда сочетаются традиционность и индивидуальное творчество, которое проявляется в искусстве импровизации. Нет двух одинаковых исполнений одной песни, даже когда ее поет один человек или один-ансамбль. И в этом кроется принципиальное отличие от профессиональной музыки, где исполнитель (певец, инструменталист или целый оркестр) не может менять текст произведения, написанный композитором.
Искусство народных музыкантов называют традиционным, так как песни и инструментальная музыка исполняются ими в той традиции, которая сложилась и живет в их местности. Поэтому, говоря о традиционном фольклоре, обязательно указывают, откуда именно та или иная песня. И если в XIX в. в России бытовало выражение «русская народная песня», то теперь мы говорим о песне курской, орловской, смоленской, псковской… Действительно, фольклорные песни каждой местности отличаются по мелодике, тембру, манере исполнения, способам голосоведения в ансамблевом пении, имеют свои поэтические и диалектные особенности.
Например, стиль пения в Архангельской, Вологодской областях не похож на стиль южнорусских областей: Брянской, Калужской, Белгородской. Манера исполнения северян очень сдержанна, даже сурова, в женском ансамбле мелодия идет в октаву «толстыми и тонкими голосами», по местному выражению. Для южан, напротив, характерно тяготение к плясовым ритмам, открытая, ярко эмоциональная манера исполнения.
Богатейшим многоголосием отличается пение казаков — донских, терских, оренбургских. Сибирь, Поволжье, Подмосковье — везде свой оригинальный стиль, свое неповторимое звучание.
Грузинские народные песни исполняются большей частью трехголосными мужскими хорами, в которых особенно выделяется верхний голос, так называемый криманчули, выводящий сложные импровизационные вокальные украшения.
Среди различных стилей совместного пения особенно выделяется многоголосие русских протяжных песен, которое представляет собой высокоразвитую полифонию, получившую в науке название подголосочной. Основной напев свободно разветвляется на самостоятельные голоса — подголоски.
Совместное ансамблевое исполнение, или, как говорят в народе, пение «артелью», всегда было наиболее естественной и любимой формой музицирования. Так исполняли большинство песен: обрядовых, хороводных, лирических. Ансамбли складывались как отражение крестьянского быта: либо семейные, например, отец и сыновья, братья и сестры, муж с женой; либо людей сближала общая работа. В народном ансамбле все участники, сохраняя общность мелодики, слов, ритма и темпа, остаются импровизаторами — индивидуальное творчество и здесь имеет большое значение. Пение в ансамбле — это общение музыкантов между собой, как бы разговор друг с другом. Подобный же принцип общения существует и в литовских сутартинес (тоже полифонические песни, но на другой основе), и в замечательном грузинском многоголосии.
В импровизации — жизнь народного искусства, поэтому никакая письменная запись или исполнение по нотам не может отразить специфику фольклора.
Особую ветвь фольклора составляют эпические песни.
Умением петь их, «сказывать» владели немногие певцы-знатоки. Это было искусство высокое, сложное, поэтому мастера эпоса всегда были окружены в народе почетом и уважением. На Руси их звали сказителями или старинщиками (от слова «старина» или «старина», как называли былину). В «Слове о полку Игореве» упоминается один из сказителей времен Киевской Руси — вещий Боян. У многих народов нашей страны до сих пор существуют такие певцы-сказители: у казахов и киргизов — акыны, у армян и азербайджанцев — ашуги, у узбеков — бахши, у украинцев — кобзари и т. д.
Часто эпические песни исполнялись в сопровождении музыкального инструмента; у многих народов эта традиция жива и поныне. Сказитель — всегда импровизатор. Он и поэт, и певец, и инструменталист, и актер.
В эпической песне повествование неторопливо, обстоятельно, упоминаются многие подробности.
Талантливый певец — это художник, владеющий традицией настолько, что она не сковывает его. Имена лучших мастеров фольклора становятся все более известными, особенно в наше время. Ежегодно из городов в деревни и села отправляются собиратели народной музыки — фольклористы. Их задача — найти людей, которые знают и поют песни, созданные в разные времена: от глубокой древности до наших дней.
Наиболее интересных, талантливых народных музыкантов приглашают выступать на фольклорно-этнографических концертах, которые проводятся в Москве, Ленинграде, Смоленске, Суздале.
Неоднократно в Москве и других городах выступал ансамбль села Афанасьевка Белгородской области. Руководит им выдающийся певец, мастер традиционного пения Ефим Тарасович Сапелкин.
На севере нашей страны, на реке Печоре, есть старинный городок Усть-Цильма. Каждое лето накануне сенокоса там «водят горку» — это древний праздник с хороводами и игрищами, когда женщины и девушки одевают старинные парчовые сарафаны. Это очень красочное зрелище. Возглавляет, «ведет горку» Марфа Николаевна Тиранова — талантливая народная певица.
В северной Белоруссии, на Витебщине, есть небольшая деревня Ляховки. Там сохранилась уникальная фольклорная традиция — унисонное обрядовое пение. Специалисты считают, что сложилось оно еще во времена язычества. Записано это пение от четырех женщин-колхозниц: в деревне до сих пор поют древние обрядовые песни. Заводит песню замечательная певица Елена Павловна Пискунова — самый старший член ансамбля.
Еще одна фольклорная традиция — тувинское горловое пение — своеобразная манера пения, когда один певец исполняет мелодию сразу на два голоса. Это так называемое горловое пение распространено у бурят, тувинцев, башкир, алтайцев, а за пределами СССР — у монголов. Мастера этого стиля неоднократно выступали в Москве. Один из них — Дмитрий Очур — владеет всеми приемами этого труднейшего искусства. Учился он у своих сестер и у деда — известного в Туве певца.
Искусство народных музыкантов всегда оказывало большое влияние на профессиональное творчество. Изучение его началось в XIX в., когда возник и стал углубляться интерес к народной культуре. Русские композиторы записывали народные песни и напевы народных былин и использовали их в своих произведениях. В XIX в. в России появляются эпические оперы — «Руслан И Людмила» М. И. Глинки, «Садко» Н. А. Римского-Корсакова, «Князь Игорь» А. П. Бородина. Римский-Корсаков писал в «Летописи моей музыкальной жизни», что напевы сказителей Т. Г. Рябинина и В. П. Щеголенка послужили ему образцом для речитативов оперы «Садко», задуманных в духе былинного сказа. Интонации, мелодика и ритмика крестьянских песен оказали большое влияние на творчество Глинки, А. С. Даргомыжского, М. П. Мусоргского, М. А. Балакирева, П. И. Чайковского, Бородина, А. К. Лядова, С. В. Рахманинова.
Традиция обращения к фольклору продолжается и в советской музыке. Так, замечательный хоровой цикл Г. В. Свиридова «Курские песни» родился как результат его участия в студенческие годы в фольклорной экспедиции Московской консерватории в Курскую область. Творчество композиторов Р. К. Щедрина, В. А. Гаврилина, Ю. М. Буцко, С. М. Слонимского неотделимо от фольклорных истоков. Эпическое начало присутствует и в произведениях советских композиторов, посвященных героическим образам отечественной истории (кантата «Александр Невский» и 5-я симфония С. С. Прокофьева, симфония-кантата Ю. А. Шапорина «На поле Куликовом»).
Жизнь фольклора продолжается. Молодое поколение участвует в фольклорных коллективах своего села. В городах возникают фольклорные ансамбли, основное ядро которых составляет студенческая молодежь и интеллигенция. Такие ансамбли есть в Прибалтике, в Москве и Ленинграде, в Калинине, Смоленске. В этом — залог сохранения фольклора как живого искусства.
Если вы нашли ошибку, пожалуйста, выделите фрагмент текста и нажмите Ctrl+Enter.
Русская народная песня. Кто ее придумал?
Русские народные песни всегда являлись важной составляющей фольклора. Они помогают понять, какими были традиции, ценности и быт наших предков, какие ситуации волновали и печалили их, а какие вселяли радость и гордость. Имена авторов этих песен канули в Лету, отсюда и название «народная» – то есть, принадлежащая всем. Однако некоторые создатели таких песен все же известны, причем многие из них жили не в «стародавние» времена, а в XIX столетии.
Отражение национального характера
Исследователи по-настоящему народных песен сходятся во мнении, что чаще всего руку к созданию этих произведений прилагали крестьяне. Посвящали их как повседневным и довольно простым ситуациям (смена времен года, посевные работы и сбор урожая, появление или уход члена семьи), так и различным сказочным и мистическим явлениям. Первая письменная информация о народных песнях относится к XVII веку. В очередной редакции «Домостроя» встречается такое понятие, как «шутливая песня», причем отношение к нему явно критическое. В допетровской России к такому творчеству на официальном уровне относились с подозрением, даже называли бесовским. Царь Алексей Михайлович лично приказывал уничтожать музыкальные инструменты, найденные в домах. Домры и гусли изымались немедленно – чтобы неповадно было.
В годы правления Петра Великого и Елизаветы Петровны отношение к фольклору стало более лояльным. Появились новые жанры народных песен, а также новые герои. Теперь пели не только об удалых воинах и румяных девицах, но и о солдатах, писарях, чиновниках. С народной песней постепенно сливается городской романс, а немного позднее огромную популярность приобретают частушки. Четверостишия, положенные на незамысловатую мелодию, было весело сочинять и нетрудно исполнять. Кстати, качество исполнения в русской народной песенной традиции вообще не считалось самым важным. Можно было даже играть на ненастроенном инструменте, главное – делать это искренне, с душой. Русская народная песня была плодом внезапного порыва, желания поделиться своей болью или радостью здесь и сейчас.
Первые сборники русских народных песен появились в восемнадцатом столетии, но расцвет интереса ко всему национальному и исконно русскому пришелся на XIX век. Большой вклад внес в этот процесс композитор Михаил Глинка. Он создал фантазию «Камаринская» на тему двух русских песен: западную музыку соединил с народными текстами. В 1850-х годах формируется объединение «Могучая кучка», продолжавшее дело Глинки. Кружок возглавил композитор Милий Балакирев, недолюбливавший западное видение музыки и снобистскую приверженность европейцев образованию в консерваториях. У всех композиторов «Могучей кучки» были и другие профессии, что не мешало им быть прекрасными музыкантами. Теоретические познания передавались по «сарафанному радио», народная песня вызывала интерес и уважение.
Давно забытые авторы любимых мотивов
Ярким примером того, как народная песня может «внезапно» обрести автора, является «Калинка-Малинка». Вопреки расхожему мнению о том, что история этой песни уходит корнями чуть ли не в допетровскую Русь, на самом деле создали ее в 1860 году. Автором оказался бывший офицер и музыкальный критик Иван Ларионов, проживавший в Саратове. Его землякам песня сразу пришлась по душе, и они стали передавать ее из уст в уста. Так «Калинка-Малинка» и стала народной. Друг Ларионова, руководивший хором, попросил у него разрешения на исполнение песни, – и ее популярность шагнула за пределы родного Саратова, разлетелась по всей стране. Новую жизнь «Калинке» уже в советские годы подарил ансамбль А.В. Александрова. Тогда о песне узнали в мире и стали узнавать по первым нотам. К сожалению, создатель «Калинки» Иван Ларионов недолго был свидетелем триумфа своего музыкального шедевра. В 1889 году он скончался и был забыт современниками. «Калинку-Малинку» с тех пор воспринимали как результат коллективного народного творчества.
Схожим образом сложилась судьба другой «народной» песни – «Черный ворон». Ее создал унтер-офицер Невского полка Николай Веревкин, служивший при Николае I. Он участвовал в русско-турецкой и русско-иранской войнах, написал несколько духоподъемных песен, которые нашли отклик в сердцах солдат той эпохи. Так «солдатская» песня постепенно превратилась в «народную». В отличие от автора «Калинки», Николай Веревкин все же смог оставить личный след в истории: в 1837 году он опубликовал песенник «Под ракитою зеленой», в котором, конечно, был текст «Черного ворона».
Случалось и так, что с течением времени назначение и смысл одной и той же народной песни менялись. «Дубинушка, ухнем!» изначально считалась едва ли не гимном бурлаков, а затем стала революционной песней. В 1865 году юрист Александр Ольхин, прославившийся талантливой защитой «политических» на судебных процессах, немного изменил текст «Дубинушки», добавив призыв сбросить вековой гнет. Песня тотчас же приобрела известность в народнических кругах пореформенной России: ее текст переписывали от руки, включали в самодельные песенники. Теперь песню исполняли не бурлаки, обремененные тяжкой работой, а недовольные царской властью рабочие, студенты и солдаты. В начале XX века «Дубинушку» исполнил Федор Шаляпин. Премьера состоялась в 1906 году, когда артист давал бесплатный концерт для киевских рабочих. Его попросили исполнить «Интернационал», но текста певец не знал и предложил «Дубинушку». Исполнение этой песни Шаляпиным стало считаться эталонным – раскатистый и грозный голос солиста Большого театра как нельзя лучше подходил к новому, воинственному прочтению «народного» творения.
Музыка древней Руси
Древнерусская музыка была тесно связана с обрядами и верованиями, а также с земледельческим трудом. Этим и объясняется большое разнообразие жанров. На площадях, в домах, на пирах исполнялись былины, обрядовые, плясовые, трудовые, игровые, колыбельные и многие другие песни.
Древнерусская музыка — исполнители и основные жанры
В Древней Руси исполнителями и авторами были:
Скоморохи (их еще называли «лицедеями», так как они не только пели и играли музыку, но и устраивали представления, зачастую импровизированные) были первыми профессиональными музыкантами на Руси.
В своем творчестве они использовали такие музыкальные инструменты, как
дудки, волынки, гусли, гудки, трубы, бубны, свирели.
Многие музыканты выступали на пирах, воспевая доблесть русских витязей и князей. Образ подобного сказителя выведен в «Слове о полке Игореве» – знаменитый Баян.
После захвата Руси татаро-монголами центром культурной жизни стал свободный «господин Великий Новгород». Именно там получил развитие такой жанр как былина. Былины донесли до нас историю о знаменитом исполнителе и гусляре Садко, покорившем своей музыкой даже Морского царя.
Колокольный звон как музыкальный жанр
Также на новгородской почве развился уникальный, типичный только для музыки Древней Руси жанр – искусство колокольного звона. Всего существует три вида звона:
Профессиональный звонарь учился искусству звона всю свою жизнь.
Создание и хранение
Все функционирующие в данной культуре музыкально-фольклорные тексты хранятся в коллективной памяти носителей традиции и передаются из поколения в поколение устным путём. Большинство произведений народной музыки имеет синтетический характер, рождаясь на пересечении разных видов искусства: музыки и поэзии, музыки и хореографии, музыки, поэзии и хореографии, которые выступают всегда как самостоятельные структуры, образующие разнообразные формы координации.
Начало профессиональной музыки — церковная и духовная
Зарождение профессиональной музыки тесно связано с историей становления древнерусского государства – Киевской Руси (IX–XIII века). После Крещения Руси (988 год) и укрепления связей с Византией появились и первые церковные песни – духовная музыка.
Древнерусский музыкальный канон
Музыкальный канон того времени был заимствован древнерусскими священниками прямиком из Византии. Церковная древнерусская музыка, как и вся христианская музыка того периода, была монодична, то есть ее основу составляли одноголосые распевы. Распевы подчинялась системе осмогласия. С ее помощью устанавливался строгий порядок музыкального исполнения службы.
Система осмогласия была целиком заимствована из Византии и получила название «византийского столпа». В соответствии с ней в православных храмах каждую неделю распевался особенный глас (в системе древнерусской музыки гласом считался не какой-либо один определенный напев, а целая музыкальная система).
Всего существовало восемь гласов, и они образовывали восьминедельный цикл («византийский столп»), который повторялся в течение года примерно шесть с половиной раз (за исключением дней Великого Поста и Святой Пасхи).
Создателем системы осмогласия музыковеды и историки считают преподобного Иоанна Дамаскина (680-777), автора «Октоиха».
Записей звуковысотного обозначения гласов в то время не существовало. Мелодию записывали с помощью системы особых знаков, которые указывали лишь направление мелодии, прямо под строкой текста. Исполнителям мелодику песнопений приходилось учить по слуху. Певческое искусство передавалось в устной форме от учителя к ученику.
С византийским музыкальным каноном связана и особая эстетика – «ангельское пение». Более всего ценился чистый звук голоса. Один из раннехристианских писателей Климент Александрийский (150-215) считал, что человеческий голос является совершенным инструментом, поэтому отвергал иные музыкальные инструменты. Поэтому яркой отличительной чертой музыки Древней Руси являлся принцип a capella, то есть, пение без сопровождения музыкальными инструментами.
Певческие стили в древнерусской музыке
В музыке Древней Руси сосуществовали два певческих стиля – кондакарный (сольный) и знаменный (хоровой) распев.
Стройное чередование тонов и полутонов, которые образовывали двенадцатиступенный звукоряд, именовалось церковным ладом. Он распадался на четыре согласия – простое, мрачное, светлое и тресветлое, в каждом было по три звука.
Запись музыки в Древней Руси
Для записи древнерусской церковной музыки монахи употребляли специальную нотацию, которая получила название «знаменной» (от слова знамя – «знак»). «Знаменная» нотация (или «крюковая» – по названию одного из основных знаков системы – крюка), исполненная до XVI века, тяжело поддается расшифровке, поскольку по вполне объективным причинам у науки нет точных сведений о том, как в действительности звучали знаменные распевы.
Надо отметить, что древнерусская церковная и народная музыка находились в определенной оппозиции. Так как византийский канон являлся заимствованным, он вступал в конфликт с народной музыкой, имеющей глубокие национальные корни. Поэтому авторы древнерусских распевов оказывались перед нелегким выбором совмещения христианской эстетики и «наработанных» национальных, но языческих приемов музицирования.
Распространение музыки и певчие голоса
Однако не только церковная и народная древнерусская музыка получили широкое распространение на территории страны. По сохранившимся фрескам Софийского собора в Киеве мы можем получить некоторые сведения о светской музыке того периода, которая была распространена при дворе киевских князей. На одной из фресок можно увидеть музыканта, исполняющего мелодию на струнном смычковом инструменте наподобие средневекового фиделия (прообраза виолы). На другой фреске запечатлена целая группа музыкантов, играющих на духовных и щипковых инструментах в окружении скоморохов – плясунов и акробатов. Также на фреске сохранилось изображение органа и играющего на нем человека. Древнерусские князья весьма любили музыку во всех ее проявлениях, ценили талантливых исполнителей.
Наверно, неспроста при царе была создана группа певцов, которые именовались «государевыми певчими дьяками». Они получали особенное жалование, зависевшее от того, насколько усердно они прославляли царя (отсюда термин – «славословие») на государевых богослужениях. В этой своеобразной «певческой академии» древнерусской музыки сохранялась преемственность распевщиков.
Существовало три типа голоса:
– демественниками назывались певцы-универсалы, умевшие петь на все три голоса.
После ослабления Киева возвышается Владимиро-Суздальское княжество, перенявшее «эстафету» дальнейшего развития древнерусского певческого искусства. Сохранилось в истории имя певца и распевщика Луки. Он был создателем целой школы древнерусских исполнителей. Его учеников летопись именует «луцыной чадью».
Значение периода древнерусской музыки
Музыка Древней Руси – уникальное явление в истории страны и ее культуры:
Вам понравилось? Не скрывайте от мира свою радость — поделитесь
Структура и организация мелодий
Для вокальных жанров музыкального фольклора основополагающим является ритм произнесения слова в пении. Во всех славянских традициях преобладающими являются стих силлабической структуры и отвечающие ему цезурированные музыкальные формы. Исключение составляет севернорусская традиция, где распространение получили тонический стих и связанные с ним равномерно и неравномерно сегментированные музыкальные формы.
Звуковысотная организация ранних славянских мелодий характеризуется узкообъёмными (диатоническими и ангемитонными) ладовыми конструкциями, звуковой объём которых не превышает квинты. В более поздних музыкальных жанрах встречаются и широкообъёмные звуковысотные системы.
Славяне имеют развитые формы многоголосия, включающие в себя: а) гетерофонию или функциональное одноголосие, при котором отклонения от основной мелодической линии при ансамблевом исполнении незначительны; б) бурдонную диафонию, где одна (иногда две) голосовая партия представляет собой бурдон, а другая, чаще всего в виде гетерофонного пучка голосов, ведёт основной напев; в) функциональное двухголосие, где главная мелодия звучит у «басов», а над ними «парит» верхний голос, нередко в виде сольного подголоска («подводки», «горяка», «дишканта» и т. п.). Изредка встречается и функциональное трёхголосие.
Тембр, определяемый способом звукоизвлечения, высотой, громкостью и интенсивностью звучания, особенно важен при исполнении обрядовых песен, несущих в себе магическую силу, о чём свидетельствуют существующие в некоторых славянских традициях запреты на тембр (например, весенние заклички поются до Благовещенья тихо и в доме, а после Благовещенья громко и на открытом воздухе; духовные стихи у гроба в доме тихо, а во время календарных поминок на кладбище громко и т. п.). Тембровые характеристики не универсальны, они имеют ярко выраженную локальную специфику.
Вокальные жанры
Вокальные жанры народной музыки делятся на приуроченные (к определённому времени, сезону, календарному или сонному обряду, событию) и неприуроченные. Календарные песни, обслуживающие обряды годового круга, относятся к наиболее раннему пласту музыкального фольклора.
Песни семейных обрядов (крестины, свадьба и похороны) сформировались, по-видимому, позднее календарных; они имеют более обширные ареалы бытования. Песни исполняемые при крещении ребёнка, известны в основном на севере белорусской этнической территории. Свадебные песни распространены повсеместно; они оформляют две основные линии ритуала: инициационную, связанную со сменой социального статуса брачующихся, и линию контактов двух родов.
Один из древнейших жанров — плачи: похоронные (самые древние), свадебные (в некоторых традициях имеющие собственные напевы, а на Русском Севере представленные уникальной формой групповых голошений), рекрутские (при проводах в армию) к бытовые (по случаю какого-либо несчастья, например пожара). Рекрутские и бытовые, не имея собственных музыкальных форм, интонируются на напевы похоронных. От песен плачи отличает импровизационный характер поэтических текстов, специфический тип плачевого интонирования, в котором огромную роль играют речевые возгласы и рыдания. Известны летописные свидетельства о существовании мужских погребальных плачей. Современная же традиция является исключительно женской и включает в себя несколько разновидностей причитаний, См. Голошение.
Детский фольклор включает произведения, обращенные к детям (колыбельные, пестушки, потешки, прибаутки, загадки, сказки с песнями) и собственно детский фольклор (считалки, дразнилки, скороговорки). Музыкально-ритмический и мелодический склад этих песен предельно прост: напев рифмованного стиха образован рядом схожих попевок в узком объёме. Колыбельные песни обнаруживают стилистическое сходство с обрядовыми жанрами музыкального фольклора, в первую очередь с плачами (ср. известные на Русском Севере смертные байки). Детские потешки или пестушки часто распеваются на напевы плясовых песен и наигрышей.
К музыкальному эпосу относятся русские старины, или былины, распространенные только на Русском Севере, у украинцев — думы, у южных славян — юнацкие песни. Характерные для этих жанров эпические сюжеты распеваются преимущественно сольно на напевы декламационно-сказового характера, иногда в сопровождении музыкального инструмента (лиры у украинцев, гуслей — у южных славян).
К неприуроченным жанрам принадлежат также лирические (включая и рус. протяжные) песни, сформировавшиеся как жанр значительно позже обрядовых. Наряду с поэтикой словесных текстов об этом свидетельствуют и особенности музыкальной формы, ритмически, мелодически и многоголосно гораздо более сложной. Среди лирических песен выделяются два стилевых пласта: традиционный и поздний, городского происхождения.
Песни, связанные с движением, представлены у славян рядом жанров и образуют специальный раздел музыкального фольклора. К числу приуроченных относятся хороводные (карагод, танки, хоро, коло), которым приписывались магические функции, в том числе продуцирующая способность (ср. русские «хороводы водили, чтобы лён долгий родился, чтобы жито росло»). У южных славян известны хороводы (коло, хоро) в составе обрядов жизненного цикла человека (ср.: коло, движущееся против солнца, называется мртвачко).
У русских хороводы обслуживают также зимние и весенние молодёжные собрания, связанные с выбором пары. В некоторых восточно-славянских традициях (в Полесье и на Русском Севере) хороводы обнаруживают тенденцию к циклизации и прикрепляются к важнейшим общинным (престольным или календарным) праздникам (ср. «метища» на Пинеге, «петровщины» на Мезени, «горка» на Печоре, «стрела» в Полесье и т. п.).
Большое место в традиционном быту занимают плясовые песни, у русских связанные с двумя видами хореографии: аутентичной и заимствованной. Традиционные формы пляски более всего развиты на юге русской этнической территории, где имеют специальные названия: пляска в две, три, четыре ноги и так называемый пересек, образующийся путём одновременного сочетания разных ритмических рисунков, выбиваемых ногами. Существуют традиционные способы обучения пляске при помощи многократно повторяемых ритмизованных словесных клише (например: «Вилы, грабли, три цепа, цепа, цепа», «Поросята полосаты» и т. п.). У восточных славян широко распространены плясовые песни, сопровождающие кадрили, ланцы, польки, краковяки и др., то есть танцы, заимствованные из Европы, но обогащенные традиционной плясовой «лексикой».
Особый жанр составляют трудовые артельные припевки. Они служат для координации коллективных усилий во время трудового процесса и по сути дела представляют собой интонационно оформленные командные возгласы (самые известные из них — русские «Дубинушка» и «Эй, ухнем!»).
Позднейший жанр народного музыкального творчества — русская частушка. С конца XIX века он выдвигается в качестве одного из ведущих, бытует преимущественно в молодёжной среде. Частушки представляют собой вокально-инструментальный жанр, основанный на творческом состязании исполнителей, которые часто импровизировали тексты на злобу дня.
Инструментальная музыка
Инструментальная музыка по сравнению с вокальной занимает более скромное место в народной музыкальной культуре. Вместе с тем известный у славян инструментарий достаточно разнообразен и включает в себя духовые, струнные и ударные инструменты. В русской народной культуре часто в качестве музыкальных инструментов используются предметы быта (такие как коса, рубель, гребень, пила, печная заслонка, самоварная труба и пр.) и природные объекты: береста, древесный и травяной лист, рыбья чешуя и т. п.
В славянских традициях на музыкальных инструментах играют в основном мужчины, хотя у русских известны и чисто женские инструменты, к которым относятся кугиклы (флейты Пана) и трещотки.