Я автор я так вижу
15 цитат из писем Винсента Ван Гога
Великий художник об искусстве, книгах и любви
Винсент Ван Гог (1853 — 1890) — выдающийся нидерландский художник-постимпрессионист, чье творчество оказало огромное влияние на живопись XX века. Среди его картин «Подсолнухи», «Звездная ночь», «Ночная терраса кафе» и многие другие замечательные работы.
Большинство людей знает Ван Гога как сумасшедшего, который в порыве безумия отрезал себе ухо. Но чтобы лучше понять внутренний мир живописца, достаточно почитать его письма, адресованные друзьям и брату Тео. В них он раскрывается как глубоко ранимый и чувственный человек, с философской стойкостью переживающий свалившиеся на него невзгоды.
Мы выбрали 15 цитат из переписки художника:
Не надо принимать слишком близко к сердцу свои недостатки, ибо тот, у кого их нет, все же страдает одним — отсутствием недостатков; тот же, кто полагает, что достиг совершенной мудрости, хорошо сделает, если поглупеет снова.
Если хочешь что-то делать, не бойся сделать что-нибудь неправильно, не опасайся, что совершишь ошибки. Многие считают, что они станут хорошими, если не будут делать ничего плохого.
Книга — это не только все произведения литературы, но также совесть, разум и искусство.
Читая книги, равно как и смотря картины, нельзя ни сомневаться, ни колебаться: надо быть уверенным в себе и находить прекрасным то, что прекрасно.
На мой взгляд, я часто, хотя и не каждый день, бываю сказочно богат — не деньгами, а тем, что нахожу в своей работе нечто такое, чему могу посвятить душу и сердце, что вдохновляет меня и придает смысл моей жизни.
Нет ничего более подлинно художественного, чем любить людей.
Я, разумеется, всегда знал, что можно сломать себе руку или ногу и затем поправиться; но мне было неизвестно, что можно душевно надломиться и все-таки выздороветь.
Не стоит предаваться сожалениям и опускать руки — так далеко не уйдешь; важно одно — пробиваться, идти вперед.
Нам следует не питать иллюзий в отношении самих себя и всегда быть готовыми к тому, что нас не будут понимать, презирать и порочить; тем не менее надо сохранять мужество и энтузиазм, даже если дела пойдут еще хуже, чем сейчас.
Уверяю тебя, что несколько дней, проведенных мною в лечебнице, оказались очень интересными: у больных, вероятно, следует учиться жить.
Война, однако, не приносит ничего, кроме горя и разрушения, тогда как живопись порою представляет собой подлинный посев, хотя урожай, конечно, отнюдь не всегда снимает сам художник.
Я думаю, что чем больше человек любит, тем сильнее он хочет действовать: любовь, остающуюся только чувством, я никогда не назову подлинной любовью.
Когда доходит до сути дела, я не стыжусь своих чувств и не краснею, признаваясь в том, что я человек со своими принципами и своим кредо.
Печальная перспектива — сознавать, что на мои полотна, может быть, никогда не будет спроса. Если бы они хоть окупали расходы, я мог бы сказать про себя, что деньги никогда меня не интересовали.
Разве жизнь дана нам не затем, чтобы мы обладали богатой душой, даже если при этом страдает наша внешность?
Я- художник, я так вижу
Это Мортен Вискум, он современный датско-норвежский художник-маргинал, использующий отрезанные руки мертвецов вместо художественных кистей.
Автор текста Валерий Рублёв. 22 декабря 2017 года.
Мортен Вискум (Morten Viskum) — это современный датско-норвежский художник-маргинал, использующий отрезанные руки мертвецов вместо художественных кистей. Живёт и работает в Норвегии.
Мортен родился 2 февраля 1965 года в городе Хельсингёр (Дания).
Свою «художественную» деятельность Мортен начал в 1995 году с крайне неприятного перфоманса: он выбрал около 20 супермаркетов в пяти самых крупных городах Норвегии. В этих супермаркетах Вискум подменил несколько банок с оливками — вместо оливок в новых банках находились мёртвые новорожденные крысята.
В скором времени после своего перформанса художник освоил новую технику, благодаря которой он наиболее известен — он рисует руками мертвецов. В коллекции Мортена Вискума находится 6 рук, которыми они рисует свои живописные произведения. В нерабочее время они хранятся в формалине.
В настоящее время Мортен занимается различными инсталляциями, а также перфомансами, пародирующими известных людей. За многие из своих псевдохудожественных выходок Мортен Вискум неоднократно подвергался обвинениям в насилии над животными и хулиганстве.
Откуда пошло выражение: «Я художник, я так вижу»?
Я предположил бы, что одно из первых обоснований духе: ”я художник, я так вижу” принадлежит внецианскому маньеристу Паоло Веронезе.
Этот виднейший художник написал, в числе прочего, ряд крупных полотен и фресок. На которых позволил себе некоторые вольности. вероятно, работай он во Флоренции или Риме, это воспринималось бы нормально. Венеция же имела свою специфику. В частности, здесь довольно сильно влияние византийского искусства.
В 1573 году Веронезе заканчивает для одной из венецианских церквей крупное полотно “Тайная вечеря”.
Все знают “ Тайную вечерю” работы Леонардо да Винчи. Все знают, и наверное, потому эту фреску можно условно считать “эталонной”.
У вас появились вопросы?
Вот и у приемной комиссии они появились. а заодно у инквизиции.
Основной вопрос звучал примерно так:
“ Что здесь делают все эти люди?”.
На что что Веронезе да, по-моему, замечательный и исчерпывающий ответ в стиле: “ я художник, я так вижу!”.
Впрочем, он действительно был художником. И великолепным.
Так что члены инквизиции поняли его тонкую душу и вошли в положение, не наложив никаких особых санкций. А всего-навсего распределив их исправить работу, приведя ее в соответствие с традиционным пониманием сюжета.
Так, что с тех пор полотно именуется “Пир в доме Левия”.
«Если человек не умеет рисовать, то это ещё совсем не значит, что он гений.»
Прилагательные «честный» и «честной» образованы от существительного «честь», восходящего к старославянскому «чьтѫ, чисти».
Особенностью этого слова является ударение, обусловленное двуплановостью значения слова: с одной стороны честь – это (1) внутреннее моральное достоинство, с другой стороны – это (2) социальное (т.е. со стороны окружающих) достоинство человека.
Так, например, в сочетаниях «дело чЕсти», «долг чЕсти» основной смысл связан с честностью, порядочностью, чистой совестью человека (1). А вот выражение «этот человек в честИ у кого-либо» означает, что он пользуется уважением извне, он в почёте у других (2).
По-видимому, эти оттенки значений нашли отражение и в этимологии производных слов.
Честный человек – это человек безупречный, неподкупный, совестливый, с чистой совестью, добросовестный, правдивый, прямой, прямодушный, безукоризненный, чистосердечный. Эти определения могут относиться также и к характеру человека, к его поступкам и др.
Честной (устар.) – это почтенный, уважаемый. Первоначальное употребление «почитаемый по связи с религией, например, честной отец (к духовному лицу), клятва «Вот тебе честной крест!». Вот другие примеры в обращении: честной народ, честные гости, честная кампания, при всём честном народе, мать честная (восклицание при удивлении) и др.
Это особенности в значениях и в употреблении слов «честный» и «честной» достаточно различимы, чтобы относить их и в словарях к разным лексическим единицам.
«Я художник, я так вижу». Гейнсборо — впервые в России
У Гейнсборо всегда было свое мнение и только одно правило: «Я художник — я так вижу». Он ругался с важными заказчиками или начальниками в Королевской академии художеств.
«Томас заявлял: если у вас есть третий подбородок, то я вам его и нарисую, — рассказывает РИА Новости сокуратор выставки Елена Коротких. — На контрасте его соперник Джошуа Рейнольдс — исполнял все желания клиентов».
У Гейнсборо всегда было свое мнение и только одно правило: «Я художник — я так вижу». Он ругался с важными заказчиками или начальниками в Королевской академии художеств.
«Томас заявлял: если у вас есть третий подбородок, то я вам его и нарисую, — рассказывает РИА Новости сокуратор выставки Елена Коротких. — На контрасте его соперник Джошуа Рейнольдс — исполнял все желания клиентов».
Тот же Рейнольдс называл пейзажи Гейнсборо «чрезмерно живописными», но, видя портреты кисти соперника, злобно говорил: «Чертов виртуоз!»
«Британские изображения людей очень отличаются от континентальных камерностью, интимностью, живостью. Но все равно в них присутствует суровый академический стиль, — объясняет куратор выставки Анна Познанская. — Когда Гейнсборо и Рейнольдс писали одних и тех же моделей, современные им критики отдавали первенство Рейнольдсу».
Согласно требованиям времени, образы должны были быть сдержанными и холодными. А у Гейнсборо выходило эмоционально, свободно, настроенчески. Публика оценила это не сразу.
Тот же Рейнольдс называл пейзажи Гейнсборо «чрезмерно живописными», но, видя портреты кисти соперника, злобно говорил: «Чертов виртуоз!»
«Британские изображения людей очень отличаются от континентальных камерностью, интимностью, живостью. Но все равно в них присутствует суровый академический стиль, — объясняет куратор выставки Анна Познанская. — Когда Гейнсборо и Рейнольдс писали одних и тех же моделей, современные им критики отдавали первенство Рейнольдсу».
Согласно требованиям времени, образы должны были быть сдержанными и холодными. А у Гейнсборо выходило эмоционально, свободно, настроенчески. Публика оценила это не сразу.
«Ненавистны мне эти портреты, чтобы они все сгорели, а вот пейзажи я буду писать всегда!» — цитирует Гейнсборо сокуратор выставки.
По иронии судьбы последней работой художника и стал пейзаж. Из поездки в Озерный край (регион в Северо-Западной Англии) он вернулся потрясенным разнообразной и суровой природой региона.
«С 1780-х ни один пейзаж Гейнсборо не обходится без горы. Как на картинах у Брейгеля всегда есть замок курфюрста, который ему помогал, так и Томас использовал отличительный знак», — отмечает Коротких.
«Ненавистны мне эти портреты, чтобы они все сгорели, а вот пейзажи я буду писать всегда!» — цитирует Гейнсборо сокуратор выставки.
По иронии судьбы последней работой художника и стал пейзаж. Из поездки в Озерный край (регион в Северо-Западной Англии) он вернулся потрясенным разнообразной и суровой природой региона.
«С 1780-х ни один пейзаж Гейнсборо не обходится без горы. Как на картинах у Брейгеля всегда есть замок курфюрста, который ему помогал, так и Томас использовал отличительный знак», — отмечает Коротких.
В XVIII веке не существовало общедоступных музеев: нельзя было пойти в Национальную галерею, посмотреть Рубенса и вдохновиться его манерой письма. Шедевры хранились во дворцах и поместьях аристократии.
В середине 1750-х Томас переехал в Бат — модный курорт, настоящее «место силы» и must visit того времени для всей знати.
Там Гейнсборо получил статусную клиентуру и, как следствие, заказы и приглашения в гости. Так портретист увидел полотна своих знаменитых предшественников, что сказалось на манере его письма.
В XVIII веке не существовало общедоступных музеев: нельзя было пойти в Национальную галерею, посмотреть Рубенса и вдохновиться его манерой письма. Шедевры хранились во дворцах и поместьях аристократии.
В середине 1750-х Томас переехал в Бат — модный курорт, настоящее «место силы» и must visit того времени для всей знати.
Там Гейнсборо получил статусную клиентуру и, как следствие, заказы и приглашения в гости. Так портретист увидел полотна своих знаменитых предшественников, что сказалось на манере его письма.
Интересная история про нравы XVIII века стоит за «Портретом семьи Джорджа Байяма. 1762-1766». На картине изображен владелец крупных плантаций на Антигуа с супругой Луизой и дочерью Селиной.
«Байям заказал портрет сразу после свадьбы, пара забрала готовую работу на остров, а спустя несколько лет вернулась в Англию уже с дочкой, — поясняет Елена Коротких. — Нужно было добавить на полотно девочку, поменять прическу супруге, а заодно — цвет платья».
В итоге появилась третья фигура, а наряд дамы вместо светло-розового стал голубым.
Были и другие случаи — к Гейнсборо обращались, чтобы он переписал прическу или детали одежды, которые выходили из моды.
Интересная история про нравы XVIII века стоит за «Портретом семьи Джорджа Байяма. 1762-1766». На картине изображен владелец крупных плантаций на Антигуа с супругой Луизой и дочерью Селиной.
«Байям заказал портрет сразу после свадьбы, пара забрала готовую работу на остров, а спустя несколько лет вернулась в Англию уже с дочкой, — поясняет Елена Коротких. — Нужно было добавить на полотно девочку, поменять прическу супруге, а заодно — цвет платья».
В итоге появилась третья фигура, а наряд дамы вместо светло-розового стал голубым.
Были и другие случаи — к Гейнсборо обращались, чтобы он переписал прическу или детали одежды, которые выходили из моды.
Художник часто изображал свою семью. Из оксфордского Эшмолеанского музея в Москву приехал портрет дочери Гейнсборо Маргарет в наряде крестьянки.
По словам сокуратора, девушка вышла замуж, но супруг обманул ее, и она вернулась в отцовский дом, посвятив себя уходу за сестрой Мэри с особенностями в развитии.
На картине Маргарет изображена со снопом колосьев, в простом платье и косынке — лаконичный образ и манера, в которой написана работа, напоминают об искусстве импрессионистов.
Художник часто изображал свою семью. Из оксфордского Эшмолеанского музея в Москву приехал портрет дочери Гейнсборо Маргарет в наряде крестьянки.
По словам сокуратора, девушка вышла замуж, но супруг обманул ее, и она вернулась в отцовский дом, посвятив себя уходу за сестрой Мэри с особенностями в развитии.
На картине Маргарет изображена со снопом колосьев, в простом платье и косынке — лаконичный образ и манера, в которой написана работа, напоминают об искусстве импрессионистов.
Почти детективная судьба у картины «Портрет мальчика» из дома-музея художника в Садбери (создана около 1744 года).
«Изначально это был двойной потрет мальчика и девочки, когда-то его разрезали, и до сих пор нет точного объяснения почему, — посвящает в интригу Анна Познанская. — Возможно, кусочек картины повредили и пришлось избавиться от одного угла. Или ее разделили, чтобы продать по отдельности».
Обе картины на выставке расположены рядом.
Почти детективная судьба у картины «Портрет мальчика» из дома-музея художника в Садбери (создана около 1744 года).
«Изначально это был двойной потрет мальчика и девочки, когда-то его разрезали, и до сих пор нет точного объяснения почему, — посвящает в интригу Анна Познанская. — Возможно, кусочек картины повредили и пришлось избавиться от одного угла. Или ее разделили, чтобы продать по отдельности».
Обе картины на выставке расположены рядом.
«Он старался найти новые способы в работе. Например, мы показываем один из трех сохранившихся офортов, рисунок на который нанесен с помощью мягкого лака», — отмечает Коротких.
А еще художник вымачивал листы в молоке и растягивал их на раме. По задумке, чернила распределялись по поверхности особым образом.
«Он старался найти новые способы в работе. Например, мы показываем один из трех сохранившихся офортов, рисунок на который нанесен с помощью мягкого лака», — отмечает Коротких.
А еще художник вымачивал листы в молоке и растягивал их на раме. По задумке, чернила распределялись по поверхности особым образом.
Еще одно подтверждение любви Гейнсборо к экспериментам — работы на стекле. Две из десяти сохранившихся приехали в Москву. Случай уникальный: они редко экспонируются из-за хрупкости и почти не бывают на выставках за рубежом.
В ГМИИ стекла показаны, как витражи: подсвечены лампами со стороны стены. По замыслу Томаса, его работы были усовершенствованной моделью «волшебного фонаря». Пластины помещали в специальный ящик, одна сторона которого была затянута шелком. Позади ставили три свечи, и благодаря игре света получалось изображение, которое Гейнсборо затем писал.
«Однажды он рисовал на стекле грозу, и тогда же разыгралась настоящая непогода, — объясняет Елена Коротких. — Гейнсборо залез на крышу, посмотрел на стихию, спустился и сказал другу: у нас гроза получилась лучше!»
Выставка работ Томаса Гейнсборо продлится в ГМИИ до 1 марта 2020 года.
Еще одно подтверждение любви Гейнсборо к экспериментам — работы на стекле. Две из десяти сохранившихся приехали в Москву. Случай уникальный: они редко экспонируются из-за хрупкости и почти не бывают на выставках за рубежом.
В ГМИИ стекла показаны, как витражи: подсвечены лампами со стороны стены. По замыслу Томаса, его работы были усовершенствованной моделью «волшебного фонаря». Пластины помещали в специальный ящик, одна сторона которого была затянута шелком. Позади ставили три свечи, и благодаря игре света получалось изображение, которое Гейнсборо затем писал.
«Однажды он рисовал на стекле грозу, и тогда же разыгралась настоящая непогода, — объясняет Елена Коротких. — Гейнсборо залез на крышу, посмотрел на стихию, спустился и сказал другу: у нас гроза получилась лучше!»
Выставка работ Томаса Гейнсборо продлится в ГМИИ до 1 марта 2020 года.
Как появился аргумент: «Я художник, я так вижу»?
Обычно это ироническое выражение применяют к художникам, работающим в некоторых жанрах т.н. «современного искусства». А точнее, того, которое можно условно назвать абстрактным, изображающим или представляющим всем привычное в, скажем так, нетипичном и подчас трудно узнаваемом виде.
Кажется, этот аргумент существует столько же, сколько существуют сами художники. А именно художники не слишком умелые и потому изображающие мир так… «как видят».
Весьма возможно, так и обстоит дело. Однако история сохранила имя одного художника, прибегнувшего к этому аргументу. Выраженному немного иными словами, но имеющему тот же смысл.
Больше того, известны и повод, и место, даже дата произнесения исторического аргумента, внесенная в официальный протокол:
Дата и место, по-моему, принципиальны: речь об Италии рубежа эпох Возрождения и Барокко. Где наверняка имелись слабые живописцы и скульпторы, но и в мастерах недостатка не было. И даже в Мастерах с большой буквы.
Одним из которых и был Паоло Веронезе, то есть «Веронец» и по происхождению, работавший в Венеции. Мастер, признанный не только потомками, но и современниками.
На самом деле, уже первая большая работа, участие в росписи Дворца дожей, принесла 25-летнему художнику известность. Так что с тех пор Веронезе почти постоянно работает в Венеции, не испытывая недостатка в заказах. Причем работает он, большей частью, в монументальной живописи: фреска, панно, большие картины, алтарные образы.
Заказчики соответствующие: аквилейский патриарх (епископ) — росписи палаццо Тревизан и виллы Барбаро; все то же правительство Венецианской республики; бенедектинский монастырь Сан-Себастьяно, для которого Веронезе выполняет ряд заказов на протяжении примерно 15 лет. Больше того, спустя годы мастер нашел здесь последний приют.
Напоминаю, что речь об Италии эпохи Ренессанса. А именно о Венеции, одном из ведущих государств, уже знакомых с творчеством старших современников Веронезе — Джорджоне, Тициана и Тинторетто. Как полагаете, разбирались ли заказчики в искусстве?
При этом Веронезе успешно «отметился» почти во всех жанрах живописи: религиозной, мифологической, портрете, пейзаже. Он по праву считается одним из лучших колористов, мастером работы с цветом.
Да и в целом произведения Веронезе отличаются удивительной натуралистичностью, жизнеподобием. И эмоциональностью… Впрочем, вообще свойственной позднему Ренессансу, или маньеризму. 
Паоло Веронезе, «Брак в Кане»
Фото: ru.wikipedia.org
И все-таки именно Веронезе пришлось прибегнуть к тому самому аргументу, которым художники оправдывают странности своей живописи.
Дело в том, что в 1560−70 годах он, уже знаменитый, востребованный и не очень юный мастер, пишет серию «пиров» — больших многофигурных композиций. Собственно, и изображающих сцены (главным образом, библейские) с пирующими гостями.
Первая из них — «Брак в Кане». Затем два варианта «Пира в доме Симона Фарисея», и «Пир в доме Григория Великого».
Уже первая из этой серии работ отличается необычайной многофигурностью: огромный, 6,5 на почти 10 метров, холст буквально заполнен фигурами, вписанными… в интерьер эпохи Ренессанса. По крайней мере, часть фигур изображает видных современников Веронезе, знаменитых художников. Включая самого автора. 
Паоло Веронезе, «Пир в доме Симона Фарисея»
Фото: ru.wikipedia.org
Но эта «натяжка» еще вполне укладывается в нормы той эпохи, да и антуражу самой новозаветной сцены как бы не противоречит:
«На третий день был брак в Кане и Матерь Иисуса была там. И был зван Иисус и ученики Его на брак».
То есть свадьба имеет право быть многолюдной. Правда, самого центрального персонажа, Иисуса, среди этой сутолоки не сразу заметишь… Но заказчиков-монахов такая интерпретация устроила. Вероятно, монахам виднее?
А вот с последней работой этой серии вышло нехорошо.
Предыдущие панно с «Пирами» отклонялись от соответствующих текстов в, скажем так, привычную сторону и в допустимых пределах. Во всяком случае, тот же «Брак в Кане», действительно, формально изображает Марию и Иисуса на свадьбе. А «Пир в доме Симона» — Христа на пиру.
Вот только в 1573 году художник, как считается, получил вполне конкретный заказ…
За два года до того в венецианской базилике Са́нти-Джова́нни-э-Па́оло сгорела «Тайная вечеря» работы Тициана. Не знаю, почему новую картину снова не заказали Тициану. Будучи весьма пожилым, знаменитый мастер все еще работает!
Тем не менее работу поручают Веронезе. Возможно, благодаря его специализации на монументальной декоративной живописи. А может быть, поскольку Веронезе выполняет для этого собора целый ряд заказов.
Откуда такой интерес? Давайте сравним знаменитую «Тайную вечерю» работы Леонардо да Винчи (1498 г.), другую сохранившуюся одноименную работу Тициана (1544 г.) и картину Веронезе. 
Леонардо да Винчи, «Тайная вечеря»
Фото: ru.wikipedia.org
Вот, через полвека, Тициан. 
Тициан, «Тайная вечеря»
Фото: ru.wikipedia.org
А вот Веронезе… 
Паоло Веронезе, «Тайная вечеря» или «Пир в доме Левия»
Фото: ru.wikipedia.org
По-моему, отличия бросаются в глаза?
Вот и представители инквизиции обратили внимание. Тем более что картина написана для собора, принадлежащего доминиканскому ордену. Главному оплоту инквизиции…
В Википедии приведен фрагмент протокола «беседы» Паоло Кальяри из Вероны (именно так, настоящим именем, он именуется в официальном документе!) с представителями трибунала инквизиции.
Попытаюсь привести свою подборку цитат из того же документа. Где, кстати, сам Веронезе называет свою картину именно «Тайной Вечерей».
«мне было сказано… настоятелем Санти Джованни э Паоло… что ваши светлости приказали ему, чтобы в картине была изображена Магдалина вместо собаки. Я ему ответил, что весьма охотно сделаю все, что нужно сделать ради моей чести и для славы картины, но что, по-моему, фигура Магдалины не может быть здесь исполнена хорошо».
В о п р о с. Написали ли вы людей в этой вечере господа нашего?
О т в е т. Да.
В о п р о с. Сколько людей вы изобразили и что каждый из них делает?
О т в е т. Прежде всего — хозяина постоялого двора, Симона; затем, ниже него, решительного оруженосца, который, как я предполагал, пришел сюда ради собственного удовольствия поглядеть как обстоят дела с едою. Там много еще и других фигур, но их я теперь уже не припоминаю, так как прошло много времени с тех пор, как я написал эту картину.
В о п р о с. А для чего изобразили вы на этой картине того, кто одет, как шут, с попугаем на кулаке?
О т в е т. Он там в виде украшения, так принято это делать.»
Следующая серия вопросов касается изображений апостолов. По-моему, это феерично:
В о п р о с. Что делает следующий за ним?
О т в е т. Он держит блюдо, чтобы получить то, что дает ему святой Петр.
В о п р о с. Скажите, что делает третий?
О т в е т. Он чистит себе зубы вилкой.
А вот более чем логичный и по делу вопрос, идущий вразрез с популярным мнением об инквизиции как исключительно карательном органе:
В о п р о с. Разве те украшения, которые вы, живописец, имеете обыкновение добавлять на картинах, не должны подходить и иметь прямое отношение к сюжету и главным фигурам.
И пояснение к нему:
В о п р о с. Известно ли вам, что в Германии и в других местах, наводненных ересью, существует обыкновение при помощи картин, полных непристойности и подобных вымыслов, унижать и осмеивать положения святой католической церкви, чтобы внушать таким образом ложное учение людям невежественным и глупым?
В о п р о с. В «Вечере», сделанной вами для Санти Джованни э Паоло, что обозначает фигура того, у кого кровь идет из носа?
О т в е т. Это слуга, у которого случайно пошла носом кровь.
В о п р о с. Что обозначают эти люди, вооруженные и одетые, как немцы, с алебардою в руке?»
Основной вопрос звучал примерно так: «Что здесь делают все эти люди?»
На что что Веронезе дал прекрасный и исчерпывающий ответ. В стиле: «я художник, я так вижу!»:
О т в е т. Мы, живописцы, пользуемся теми же вольностями, какими пользуются поэты и сумасшедшие, и я изобразил этих людей…
Он действительно был прекрасным художником, чьи работы украшали множество зданий в Венеции. Так что члены инквизиции поняли мастера. И единственной санкцией стало:
«названный Паоло обязан исправить и улучшить свою картину в течение трех месяцев, считая со дня приговора, и это — соответственно решению и постановлению священного трибунала, и все за счет самого художника. А если он не исправит картину, он будет подвергнут наказанию, налагаемому священным трибуналом».
И Веронезе — куда ж деваться! — исправил. Правда, и здесь отличившись новизной подхода, поскольку исправил… название. С «Тайной Вечери» на «Пир в доме Левия».
Согласно евангельскому тексту:
«И сделал для Него Левий в доме своем большое угощение; и там было множество мытарей и других, которые возлежали с ними».
Что Святая Инквизиция, как ни странным это покажется, вполне приняла.